Основные ошибки начинающих художников

Вам интересно, почему у многих начинающих художников развитие творческого потенциала останавливается, прежде чем они даже начнут его развивать? Почему многие окончившие художественную школу не могут достичь того уровня, который представляли себе много лет назад? 

Часто это связано с тем, что художники-новички допускают ряд ошибок, которые препятствуют достижению ими успеха. Эти ошибки часто возникают у тех, кто предпочитает работать в “искусственных” техниках. 

Какие это техники, и какие 10 наиболее распространенных ошибок совершают начинающие художники? Вам стоит изучить данную публикацию, чтобы получить ответы на эти вопросы и ускорить свой творческий прогресс в живописи и рисунке, сэкономив 10-летия на пути к своему мастерству! 

И не забудьте дочитать текст до конца, чтобы подсчитать, сколько ошибок вы допускаете, и оставить свой результат в комментариях.

ОШИБКА 1: Начинать с белого листа

Первая ошибка, с которой часто сталкиваются начинающие художники – начинать работу с белого листа или холста. Белая поверхность может вызывать подсознательный страх у новичков, связанный с желанием сделать все идеально или страхом испортить изображение.

Современные художественные методики предлагают использовать подмалевок, чтобы избавиться от этого страха. Однако этот способ может оказаться провальным, так как подмалевок является лишь первоначальным наброском, который в какой-то момент начинает работать против своего создателя. В процессе дорисовки и улучшения подмалевка, художник может прийти к неаккуратности и грязи на полотне.

Чтобы избежать этих проблем, рекомендуется начинать работу с подготовки холста, включая проклейку, грунтовку, нанесение слоев имприматуры и масляной лессировки. Таким образом, можно избавиться от белой поверхности, которая является препятствием для многих художников на пути к творчеству.

Кстати, именно так выполняются работы по технологии “Оптических Просветов”. И в конце видео вы узнаете, где подробно рассматриваются все этапы работы по ней. Это поможет начинающим художникам понять, как работать от начала до конца и достичь желаемого результата. 

Чтобы понять, как справиться со страхом белого листа предлагаем посмотреть наш ролик:

ОШИБКА 2: Искусственное добавление бликов

Вторая ошибка, которую часто допускают начинающие художники – искусственное создание объема за счет добавления бликов. Это связано с желанием придать картине живость и избежать ассоциаций с плоским “детским” рисунком. В художественных школах часто учат, что блики могут добавить реалистичность и объем произведению, но это далеко не всегда верно. Иногда создание объема с помощью бликов может сделать картину искусственной, выглядящей плоской или как надувные шары.

  

В нашей технологии образование объема зависит от этапов работы. Для этого мы используем наждачную бумагу, которой вычищаем подготовленную поверхность. Мы прорабатываем более интенсивно те участки, которые должны быть светлыми, слегка прорабатываем или не трогаем места, где должна быть тень. Таким образом, мы создаем светотеневую карту изображения и формируем первоначальный объем произведения. Затем мы усиливаем объем с помощью специальных оптических смесей. Объем создается за счет технологии ведения работы, а не с помощью искусственного добавления бликов.

ОШИБКА 3: Штриховка

Третья ошибка, которую часто совершают художники – использование штриховки для создания светотени. Этот метод является классическим, изучается в художественных школах, и многие художники не представляют, как создать рисунок без него. 

Однако, штриховка не является естественным способом передачи объема для нашего глаза, который привык видеть пятнами, и для самой природы, где нет ни линий, ни мазков. Четкие линии вызывают в мозгу сомнения по поводу реалистичности предметов, а поэтому рисунки со штриховкой подсознательно воспринимаются как неестественные и отталкивающие.

Вместо этого лучше использовать уникальную технологию Оптических Просветов для создания живого и реалистичного рисунка, выполненного пятнами – согласно природе и нашему глазу. Это позволяет нам создавать произведения искусства без использования штриховки, которые приятны для взора и имеют естественный объем.

Узнать гораздо больше о штриховке и методе “от пятна” можно в этом видео:

ОШИБКА 4: Подбор цвета на палитре

Одной из распространенных ошибок начинающих художников является подбор цвета на палитре. Часто они используют множество красок, чтобы добиться нужного цветового эффекта. Но в итоге нередко работа обретает тусклый вид, на полотне может появиться месиво из цветной или серой грязи, которая совершенно не соответствует идеи художника.

Дело в том, чтобы научиться смешивать на палитре бесконечное множество красок, необходимы годы опыта или исключительный талант. Одна ошибка может испортить всю работу, что делает этот классический метод рисования очень трудным для начинающих художников.

Но существует природная технология рисования, которая помогает избежать этой ошибки – методика “Оптических Просветов”. Работая по ней, художники могут видеть, как на их глазах начинают образовываться сложнейшие и тончайшие цветовые эффекты уже на начальном этапе, когда даже еще не вводится цвет. В итоге это позволяет создать произведение, которое завладевает взором и сердцем зрителя. Таким образом, методика “Оптических Просветов” помогает избежать ошибок при подборе цвета на палитре и позволяет образовывать произведения искусства, которые вызывают восхищение. 

ОШИБКА 5: Слепое следование технологии

Пятая ошибка, которую часто допускают художники – это следование неправильной технологии, что мешает им достичь желаемого результата в своей работе. Таким образом у него возникает страх испортить изображение во время его завершения или в стремлении сделать его еще качественнее. 

Однако, страх этот можно побороть, если следовать четкой пошаговой системе ведения работы. Такой подход предусмотрен в методике “Оптических Просветов”, которая позволяет избежать ошибок во время улучшения произведения. Благодаря особому процессу нанесения смесей и растиранию мазков, уникальной системе “проработки пятна” и отсутствию следов кисти, вы не только не сможете испортить работу, но и будете улучшать ее с каждым шагом. Работая по этой технологии, вы сможете навсегда забыть о страхе и обрести уверенность в своих силах.

ОШИБКА 6: Применение только одного материала

Ошибка номер шесть – ограничение себя использованием только одного материала в живописи, например, только акварели, только темперы или только масла. Это считается ошибкой, потому что каждый материал имеет свои положительные и отрицательные качества. Например, акварель обладает легкостью нанесения и прозрачностью, но не дает глубины и насыщенности цветов.

Ограничивая себя только одним материалом, мы ограничиваем свои возможности. Старые мастера готовили красящие смеси согласно особым рецептам, чтобы достичь желаемой краски на конкретном этапе работы. В наше время мы можем успешно применять разные виды красок в работе над одним изображением. Попробуйте комбинировать различные материалы и экспериментировать с техниками, чтобы расширить свои возможности и достичь желаемого результата.

Однако, благодаря нашему механизму Оптических Просветов, вы сможете использовать несколько материалов одновременно, объединяя их лучшие качества и уменьшая недостатки. Дополнительно вы получите рецепты эффективных оптических смесей, которые добавят жизнь в ваши произведения.

Использование необычных инструментов и совершенно другой подход к работе приведут к превосходящему все ожидания результату. Об этом вы можете узнать больше в этой книге. Здесь вы увидите живопись в совершенно новом свете и не сможете остановиться на достигнутом.

ОШИБКА 7: Повторять каждый мазок

Одна из основных ошибок, которую совершают начинающие художники – это повторение каждого мазка, следуя за мастером. Это может привести к созданию копии, но не к творческому процессу, который развивает индивидуальность и мастерство.

С помощью технологии Оптических Просветов вы сможете развить свой собственный стиль и подход к живописи. Наши методы обучения позволяют ученику понимать, что и зачем делается в каждом мазке, и каких эффектов можно достигнуть при проработке определенных участков.

Каждый ученик, обучаясь нашей технологии, развивает свои собственные навыки и понимание процесса. Никакого копирования за мастером здесь не будет, ведь мы учим не просто механике, а искусству творческого мышления. Закрепляя полученные знания на учебных работах, вы обретаете навык и уверенность в своих силах, что в дальнейшем позволяет создавать совершенно уникальные произведения.

Таким образом, при изучении технологии Оптических Просветов вы не только избегаете повторения мазков мастера, но и развиваете собственный творческий потенциал.

ОШИБКА 8: Полагаться на талант

Восьмая ошибка – полагаться на свой талант в живописи или рисунке. Даже если вы обладаете художественными способностями, вам все равно придется потратить много времени, чтобы понять все нюансы современных художественных техник. Даже после многих лет обучения и при наличии способностей вы сможете достичь только одной грани совершенства в создании живописных и графических изображений.

Это связано с искусственными современными методиками, которые не позволяют раскрыть все потенциальные возможности вашего таланта. Например, они не позволят вам создавать сложнейшие цветовые эффекты, которые даже не могут быть замечены простым человеком в природе. Они также не позволят вам подобрать тончайшие оттенки на палитре, что может привести к появлению грязного цвета на полотне. Всего этого можно достичь только с помощью нашей технологии.

Технология Оптических Просветов основана на законах природы и соединяется с нашими органами чувств и восприятия, реализуя гениальность каждого человека. Она отражает то, как именно этот человек воспринимает мир, а работая в соответствии с его восприятием, она позволяет создавать уникальные изображения, которые вызывают восхищение и воспринимаются зрителями совершенно по-разному.

ОШИБКА 9: Следование искусственным методам живописи

Пункт ошибки номер девять заключается в том, что художник полагается на искусственные методы живописи и рисунка. Он является продолжением предыдущего, поскольку работая по заведомо несовершенным методикам, художник попросту теряет время и силы впустую. Художник может тратить 10 лет на попытки преодолеть эти несовершенства и найти секрет для достижения отличных результатов, но все будет тщетно.

Да, можно научиться этим методам, но потом выясниться, что у вас недостаточно способностей, чтобы достичь желаемого результата. Это может привести к разочарованию. Однако вы всегда можете обратиться к технологии, основанной на законах природы и врожденных органах чувств и восприятия. Она помогает реализовать ваш Гений и достичь желаемого результата за короткий период времени. Просто получив необходимые навыки и следуя пошаговой схеме, вы сможете выполнить любую работу с гарантированно лучшим результатом.

ОШИБКА 10: Пытаться создать в одном мазке и форму, и цвет, и объем 

Десятая ошибка, которую часто допускают художники – это попытка создать в одном мазке форму, объем, пространство и цвет. Однако, это неэффективный и сложный подход. который требует много практики, таланта и творческих способностей.

Более удачным вариантом является следование законам природы, делая все постепенно, так же, как это делает сама природа. Рождение ребенка и работа законов мироздания – это идеальные примеры. Только так можно создать уникальное, интересное и поразительное произведение искусства.

Мы предлагаем использовать технологию Оптических просветов, которая позволяет работать поэтапно. На каждом этапе мы достигаем невероятных эффектов – на полотне сам образуется цвет, объем, внутреннее свечение. Все происходит естественным образом, как при рождении рассвета. Мы постепенно работаем над всей картиной, проявляем на ней объекты, выводим их из темноты и оживляем изображение на свет.

Чтобы понять, как работает наша технология поэтапного создания картины, я предлагаю посмотреть наш выпуск, который покажет, как мы создаем морской пейзаж. 

Современные художественные техники, такие как следы кисти на холсте, смешивание красок на палитре и добавление бликов для создания объема, могут привести к неживым, искусственным результатам. Короче говоря, современные техники и реалистичная живопись несовместимы.

Однако, если вы хотите создавать пространство, которое завораживает зрителя, впечатляет и погружает его в себя, вам нужно научиться правильно выстраивать свет, тени и полутона, а также достигать сложнейших цветовых переходов уже на ранних этапах работы. Для этого нужно изменить свой подход к работе.

Вы можете узнать больше о нашей технологии и увидеть, как происходит на полотне настоящее художественное волшебство, посетив наш бесплатный мастер-класс.  Эта методика отличается от традиционных и не требует таланта или выдающихся способностей. Вам нужно лишь следовать системе, и вы увидите, как «живое» изображение будет постепенно проявляться на полотне.

Начиная заниматься чем-то новым, каждый человек склонен выстраивать завышенные ожидания. Не смотря на сферу, будь то рисование или другое занятие, мы хотим сразу же выдавать отличные результаты. Если по факту планы не совпадают с реальностью, могут опуститься руки. Здесь нужно помнить, что любая деятельность требует самоотдачи, упорства и труда.

Ошибки в живописи делают все. Независимо от того, какую технику рисования вы выберете, самые частые ошибки начинающих художников, скорее всего, будут проявляться и в вашей работе. Достижение мастерства в произведениях искусства – длительный и сложный процесс. Но его можно сделать легче, устранив причины неудачных попыток.

Исходя из личного опыта, я выделила самые главные ошибки начинающих художников, и расскажу вам, как их не допустить, чтобы не бросить начатое.

1. Начинайте учиться в процессе копирования. Часто ученик мечтает иметь скрытый талант и превзойти самого мастера с первых своих работ. Ведь так хочется взять в руки кисть/карандаш и нарисовать по памяти все, что захочется, написать идеальную картину.

Как бы там не было, рисование по памяти тяжело дается даже для состоявшегося художника, а для новичка так точно. Все великие мастера зачастую не обходились без использования натуры.

Если вы только учитесь, как вариант, можно начать рисовать по фото или по видео-урокам. Рассматривайте картины известных художников, пытайтесь понять, как они были нарисованы и попробуйте их скопировать. Конечно, с первого раза у вас не выйдет так же хорошо, но такая тренировка несомненно будет полезна для оттачивания вашего мастерства.

1. Не рисуйте все подряд. Не пытайтесь превратить свою работу в копию чего-то. В картине должно чувствоваться ваше собственное мировоззрение и личное отношение к изображаемым объектам.

Если какая-то деталь присутствует в реальности, это совсем не значит, что она должна быть и на вашем рисунке. Фотография – это совсем не стандарт, а только ваш помощник в творчестве. Именно вам решать, что изображать на полотне.

Проявляйте избирательность, развивайте воображение, экспериментируйте, вносите лишь те элементы, которые имеют значимость для конкретного сюжета. 

1. Начинайте рисовать не с конкретной детали рисунка, а с общего построения. Прорисовка мелкого и незначительного элемента на первоначальном этапе создания работы, без понимания строения картины в целом, не даст позитивных результатов.

Иногда, глядя на работу начинающего художника-самоучки, создается впечатление, что каждый элемент прорисован отдельно, а затем просто добавлен фон, который никак не связывает их в единую целостную картину.

Использовать нужно сразу всю рабочую поверхность холста, создавая контуры и постепенно придавая четкость и формы всем участкам полотна. В противоположном случае существует риск потери единой контрастности картины, особенно, если речь идет о больших по размерам художественных произведений. 

1. Всегда доводите работу до конца. Некая недосказанность конечно может сделать вашу картину более уникальной и загадочной. Но у зрителей ни в коем случае не должно возникнуть чувство, что произведение не доработано и брошено на пол пути.

Как говориться, идеальная картина отличается от хорошей за счет проработки даже самых мелких деталей. При наличии небольшого художественного опыта детализация конечно дается не легко. Для этого на начальном этапе пишите больше этюдов – так вы сможете быстрее «расписаться». 

1. Наполните свое окружение единомышленниками. Не сомневайтесь — поддержка не будет лишней, ведь эмоциональная подпитка очень важна в любых начинаниях. Только профессиональные художники настолько самодостаточны и уверены в своих силах, чтобы подзаряжаться собственным творчеством.

Новичку же нужен кто-то, кто сможет дать дельный совет, поделиться своим опытом и знаниями. Даже взгляд со стороны родных, друзей или коллег, будь то конструктивная критика или восхищение, может помочь вам усовершенствовать свои навыки.

Не бойтесь выставлять свои работы на общее обозрение (в эпоху развития социальных сетей совсем не сложно найти свою аудиторию). Заходите на форумы, общайтесь с другими художниками, спрашивайте их мнения.

1. Используйте только хорошие материалы. Это совсем не значит, что нужно покупать дорогущие краски, мольберты, холсты и прочий инвентарь. Начните с малого – не пытайтесь найти товар-заменитель, если не знаете, как это отразится на вашей работе.

Пускай у вас будет самый минимальный набор рабочих инструментов и несколько цветов красок, главное – они должны быть качественными.  Поверьте, работать с ними будет в разы приятней, да и рисунок получится значительно лучше.

Постарайтесь прислушиваться к рекомендациям более опытных художников, они наверняка знают и подскажут, где и что лучше приобрести.

1. Не сравнивайте себя с лучшими. Несомненно, нужно развиваться и оттачивать мастерство. Работы известных мастеров вдохновляют, но также могут убить веру в ваши собственные силы. В погоне за целью достичь высокого профессионального уровня, помните – все великие художники тоже начинали с малого.

Никто, даже имея большой талант, не создавал шедевры, держа первый раз в руках кисть. У всех есть плохие работы и неудачные попытки. Только за счет упорного труда и постоянной практики можно достичь совершенства. Поэтому, лучшее решение – сравнение себя сегодняшнего с вчерашним.

Никогда не выбрасывайте свои рисунки, даже, если они неудачные. Сохраняйте их для определения прогресса в будущем. Каждый раз, когда вера в силы колеблется, сравните старые работы с новыми. Уверена, вы будете удивлены, насколько быстро растет ваше мастерство.

На ошибках учатся! Помните эту фразу? Конечно же, это абсолютная правда. Только так и можно чему-то научиться. Однако, знать начинающему художнику о тех ошибках, которые часто допускают  его товарищи очень важно и полезно. Это позволит ему не наступать на те же «грабли» и гораздо быстрее продвинуться вперед в плане профессионализма.

Читайте также:

• Как выбрать этюдник
• Жесткость карандашей. Как выбрать карандаши

Пообщавшись со знакомыми художниками и учителями на эту тему, получилась статья, из которой вы узнаете ТОП-10 самых распространенных ошибок начинающих художников. Берите на вооружение и старайтесь их не допускать. Тогда вы будете рисовать гораздо лучше. В конце статьи мы затронем тему художественной школы — нужна ли она новичку? Что ж, устраивайтесь поудобнее, начнем! 

Первая пятерка частых ошибок, связанных с психологическим подходом к живописи

1. Увлечение или сосредоточенность на одной частной детали

Упоминания об этой ошибке встречаются во многих художественных учебниках. Что это за ошибка? Это когда художник прорисовывает только мелкую и незначительную часть детали, не видя картину в целом. Возможно, вы замечали, как некоторые начинают рисовать портрет, например, с глаз. В эту деталь художник вкладывает столько сил и энергии, что продолжать рисование отпадает всякое желание.

Кстати, такой подход не верен в корне: рисовать нужно на всём полотне целиком, на уровне «ощущений», последовательно придавая четкость всем участкам картины. В противном случае вы вряд ли сможете соблюсти единую контрастность на всей картине, особенно если картина большая.

И самое обидное здесь то, что художнику придется все это стирать, потому что начинать следовало с самого основного — построения каркаса фигуры головы. Всегда начинайте рисунок с общего построения!

Кстати, такая же закономерность постоянно встречается в нашей жизни. Смотрите, профессионал своего дела, неважно какого, видит и влияет на ситуацию в целом, а начинающий часто сосредотачивается на мелочах, не замечая первостепенного. 

Не ограничивайте себя всевозможными стандартами и правилами. Если вы обучаетесь дома, попробуйте начать рисовать углем и резинкой. Если хотите карандашом — возьмите самый мягкий карандаш, чтобы быстро заштриховывать плоскости.

2. Спешка

Каждый художник хочет творить и создавать шикарные произведения. Но как же мало тех, кто готов затрачивать на это кучу времени! В итоге качество картины оставляет желать лучшего, хотя художник мог бы сделать лучше. Поэтому даже если вы раньше не рисовали и хотите наверстать упущенное, знайте, спешка ни к чему хорошему не приведет.

3. Рисование по воображению или по памяти

Как-то раз меня попросили нарисовать двух деловых людей, жмущих друг другу руки. Вроде бы простая вещь — рукопожатие. Эту картину мы видим повсюду, но по памяти изобразить его у меня не получилось до тех пор, пока я не нашел натуру.

Вы можете знать нюансы и правила построения сложных и простых тел, но, не изучив принципы рисования какого-то конкретного объекта, у вас не получится нарисовать его со знанием дела. Очень мало таких людей, которые идеально рисуют по памяти. Даже самые именитые мастера живописи рисуют с натуры.

Вы должны видеть натуру или фотографию, а не просто взглянуть на неё разок.

4. Бросание работы на полпути

Картина, в которой созерцается некая загадка, недосказанность или неопределенность вызывает восхищение и интерес. Но ничего подобного не выйдет с картиной, которую бросили и не доделали.

Да, довести картину до конца начинающему живописцу непросто. Я бы порекомендовал на начальном этапе писать больше этюдов. Это позволит быстрее расписаться, получить больше вдохновения и удовольствия от живописи, а также избавиться от неуверенности.

5. Бледная и слабая контрастность изображения

Опять же все это из-за неуверенности в своих силах. Со временем это пройдет. Обязательно! В первом пункте мы выяснили, что на первых порах лучше рисовать мягким карандашом. Просто сознательно усиливайте нажим.

Вторая пятерка частых ошибок, связанных непосредственно с рисунком

6. Отсутствие фона

Конечно, прорабатывать фон нужно не в каждом произведении. И все же, если в вашей картине присутствует фон, это значит, в ней есть задний и передний план, что хоть как-то намекает на пространство.

7. Бумага плохого качества

Обыкновенная писчая бумага (общая тетрадь или «Снегурочка») — не лучший холст для живописи. Для линейных набросков — это, пожалуйста. Но она никак не подходит для настоящего произведения, потому как реагирует на нажим такая бумага плохо, что значительно затрудняет проработку светотени.

На том же чертежном листе ваш рисунок будет смотреться гораздо красочнее и лучше, нежели на бумаге для ксерокса и тем более обычной тетради.

8. Отсутствие штриха и растушевка изображений

За штрих можно сказать одно — это одно из самых выразительных средств, поэтому грех его не использовать.

На счет растушевки — те, кто видел, знают. Растушевывая изображение, бумага начинает забиваться, в итоге — каша невнятного цвета. Гораздо лучше работать по принципу лессировки либо просто класть цвета и штрихи рядом друг с другом. Все равно картина воспринимается человеком в целом.

9. Малый формат

Например, вы захотели нарисовать девушку, взирающую вдаль грустным взглядом, да еще и с башни огромного замка. Такое произведение естественно будет лучше всего смотреться на ватмане, нежели на листочке с блокнотика. На большом формате вы гораздо лучше и легче передадите нюанс. Это как в просмотре кинофильма. Что лучше, смотреть его на большом, широком HD-Fullдисплее, либо на маленьком экране сотового телефона.

10. Активные линии

Еще одна распространенная проблема. Многие целеустремленные начинающие художники обводят некоторые участки изображения контуром. Например, молодая симпатичная барышня из-за прорисовки мимических морщин активными линиями превращается в бабушку. А ведь передать эту деталь стоило бы с помощью светотени.

Обучение в школе или в гордом одиночестве?

В заключение хочется затронуть тему пользы художественной школы (курсов). Сейчас мало кто ходит в специализированную школу, так как в интернете есть много видео уроков и литературы для самостоятельного обучения. И все-таки обучение у учителя имеет массу преимуществ: 

• дисциплина;
• больше практики;
• больше живого общения с профессионалом;
• больше художественных средств и инструментов;
• возможность указать на ваши ошибки и вовремя их исправить;
• учиться с сокурсниками и делиться с ними своими достижениями гораздо веселее и приятнее.

Я считаю, что в школе стоит получить необходимую базу, а уже после неё смело развиваться в своей стезе самостоятельно.

А вы как считаете?

Вам интересно, почему у многих начинающих художников развитие творческого потенциала останавливается, прежде чем они даже начнут его развивать? Почему многие окончившие художественную школу не могут достичь того уровня, который представляли себе много лет назад? 

Часто это связано с тем, что художники-новички допускают ряд ошибок, которые препятствуют достижению ими успеха. Эти ошибки часто возникают у тех, кто предпочитает работать в “искусственных” техниках. 

Какие это техники, и какие 10 наиболее распространенных ошибок совершают начинающие художники? Вам стоит изучить данную публикацию, чтобы получить ответы на эти вопросы и ускорить свой творческий прогресс в живописи и рисунке, сэкономив 10-летия на пути к своему мастерству! 

И не забудьте дочитать текст до конца, чтобы подсчитать, сколько ошибок вы допускаете, и оставить свой результат в комментариях.

ОШИБКА 1: Начинать с белого листа

Первая ошибка, с которой часто сталкиваются начинающие художники – начинать работу с белого листа или холста. Белая поверхность может вызывать подсознательный страх у новичков, связанный с желанием сделать все идеально или страхом испортить изображение.

Современные художественные методики предлагают использовать подмалевок, чтобы избавиться от этого страха. Однако этот способ может оказаться провальным, так как подмалевок является лишь первоначальным наброском, который в какой-то момент начинает работать против своего создателя. В процессе дорисовки и улучшения подмалевка, художник может прийти к неаккуратности и грязи на полотне.

Чтобы избежать этих проблем, рекомендуется начинать работу с подготовки холста, включая проклейку, грунтовку, нанесение слоев имприматуры и масляной лессировки. Таким образом, можно избавиться от белой поверхности, которая является препятствием для многих художников на пути к творчеству.

Кстати, именно так выполняются работы по технологии “Оптических Просветов”. И в конце видео вы узнаете, где подробно рассматриваются все этапы работы по ней. Это поможет начинающим художникам понять, как работать от начала до конца и достичь желаемого результата. 

Чтобы понять, как справиться со страхом белого листа предлагаем посмотреть наш ролик:

ОШИБКА 2: Искусственное добавление бликов

Вторая ошибка, которую часто допускают начинающие художники – искусственное создание объема за счет добавления бликов. Это связано с желанием придать картине живость и избежать ассоциаций с плоским “детским” рисунком. В художественных школах часто учат, что блики могут добавить реалистичность и объем произведению, но это далеко не всегда верно. Иногда создание объема с помощью бликов может сделать картину искусственной, выглядящей плоской или как надувные шары.

  

В нашей технологии образование объема зависит от этапов работы. Для этого мы используем наждачную бумагу, которой вычищаем подготовленную поверхность. Мы прорабатываем более интенсивно те участки, которые должны быть светлыми, слегка прорабатываем или не трогаем места, где должна быть тень. Таким образом, мы создаем светотеневую карту изображения и формируем первоначальный объем произведения. Затем мы усиливаем объем с помощью специальных оптических смесей. Объем создается за счет технологии ведения работы, а не с помощью искусственного добавления бликов.

ОШИБКА 3: Штриховка

Третья ошибка, которую часто совершают художники – использование штриховки для создания светотени. Этот метод является классическим, изучается в художественных школах, и многие художники не представляют, как создать рисунок без него. 

Однако, штриховка не является естественным способом передачи объема для нашего глаза, который привык видеть пятнами, и для самой природы, где нет ни линий, ни мазков. Четкие линии вызывают в мозгу сомнения по поводу реалистичности предметов, а поэтому рисунки со штриховкой подсознательно воспринимаются как неестественные и отталкивающие.

Вместо этого лучше использовать уникальную технологию Оптических Просветов для создания живого и реалистичного рисунка, выполненного пятнами – согласно природе и нашему глазу. Это позволяет нам создавать произведения искусства без использования штриховки, которые приятны для взора и имеют естественный объем.

Узнать гораздо больше о штриховке и методе “от пятна” можно в этом видео:

ОШИБКА 4: Подбор цвета на палитре

Одной из распространенных ошибок начинающих художников является подбор цвета на палитре. Часто они используют множество красок, чтобы добиться нужного цветового эффекта. Но в итоге нередко работа обретает тусклый вид, на полотне может появиться месиво из цветной или серой грязи, которая совершенно не соответствует идеи художника.

Дело в том, чтобы научиться смешивать на палитре бесконечное множество красок, необходимы годы опыта или исключительный талант. Одна ошибка может испортить всю работу, что делает этот классический метод рисования очень трудным для начинающих художников.

Но существует природная технология рисования, которая помогает избежать этой ошибки – методика “Оптических Просветов”. Работая по ней, художники могут видеть, как на их глазах начинают образовываться сложнейшие и тончайшие цветовые эффекты уже на начальном этапе, когда даже еще не вводится цвет. В итоге это позволяет создать произведение, которое завладевает взором и сердцем зрителя. Таким образом, методика “Оптических Просветов” помогает избежать ошибок при подборе цвета на палитре и позволяет образовывать произведения искусства, которые вызывают восхищение. 

ОШИБКА 5: Слепое следование технологии

Пятая ошибка, которую часто допускают художники – это следование неправильной технологии, что мешает им достичь желаемого результата в своей работе. Таким образом у него возникает страх испортить изображение во время его завершения или в стремлении сделать его еще качественнее. 

Однако, страх этот можно побороть, если следовать четкой пошаговой системе ведения работы. Такой подход предусмотрен в методике “Оптических Просветов”, которая позволяет избежать ошибок во время улучшения произведения. Благодаря особому процессу нанесения смесей и растиранию мазков, уникальной системе “проработки пятна” и отсутствию следов кисти, вы не только не сможете испортить работу, но и будете улучшать ее с каждым шагом. Работая по этой технологии, вы сможете навсегда забыть о страхе и обрести уверенность в своих силах.

ОШИБКА 6: Применение только одного материала

Ошибка номер шесть – ограничение себя использованием только одного материала в живописи, например, только акварели, только темперы или только масла. Это считается ошибкой, потому что каждый материал имеет свои положительные и отрицательные качества. Например, акварель обладает легкостью нанесения и прозрачностью, но не дает глубины и насыщенности цветов.

Ограничивая себя только одним материалом, мы ограничиваем свои возможности. Старые мастера готовили красящие смеси согласно особым рецептам, чтобы достичь желаемой краски на конкретном этапе работы. В наше время мы можем успешно применять разные виды красок в работе над одним изображением. Попробуйте комбинировать различные материалы и экспериментировать с техниками, чтобы расширить свои возможности и достичь желаемого результата.

Однако, благодаря нашему механизму Оптических Просветов, вы сможете использовать несколько материалов одновременно, объединяя их лучшие качества и уменьшая недостатки. Дополнительно вы получите рецепты эффективных оптических смесей, которые добавят жизнь в ваши произведения.

Использование необычных инструментов и совершенно другой подход к работе приведут к превосходящему все ожидания результату. Об этом вы можете узнать больше в этой книге. Здесь вы увидите живопись в совершенно новом свете и не сможете остановиться на достигнутом.

ОШИБКА 7: Повторять каждый мазок

Одна из основных ошибок, которую совершают начинающие художники – это повторение каждого мазка, следуя за мастером. Это может привести к созданию копии, но не к творческому процессу, который развивает индивидуальность и мастерство.

С помощью технологии Оптических Просветов вы сможете развить свой собственный стиль и подход к живописи. Наши методы обучения позволяют ученику понимать, что и зачем делается в каждом мазке, и каких эффектов можно достигнуть при проработке определенных участков.

Каждый ученик, обучаясь нашей технологии, развивает свои собственные навыки и понимание процесса. Никакого копирования за мастером здесь не будет, ведь мы учим не просто механике, а искусству творческого мышления. Закрепляя полученные знания на учебных работах, вы обретаете навык и уверенность в своих силах, что в дальнейшем позволяет создавать совершенно уникальные произведения.

Таким образом, при изучении технологии Оптических Просветов вы не только избегаете повторения мазков мастера, но и развиваете собственный творческий потенциал.

ОШИБКА 8: Полагаться на талант

Восьмая ошибка – полагаться на свой талант в живописи или рисунке. Даже если вы обладаете художественными способностями, вам все равно придется потратить много времени, чтобы понять все нюансы современных художественных техник. Даже после многих лет обучения и при наличии способностей вы сможете достичь только одной грани совершенства в создании живописных и графических изображений.

Это связано с искусственными современными методиками, которые не позволяют раскрыть все потенциальные возможности вашего таланта. Например, они не позволят вам создавать сложнейшие цветовые эффекты, которые даже не могут быть замечены простым человеком в природе. Они также не позволят вам подобрать тончайшие оттенки на палитре, что может привести к появлению грязного цвета на полотне. Всего этого можно достичь только с помощью нашей технологии.

Технология Оптических Просветов основана на законах природы и соединяется с нашими органами чувств и восприятия, реализуя гениальность каждого человека. Она отражает то, как именно этот человек воспринимает мир, а работая в соответствии с его восприятием, она позволяет создавать уникальные изображения, которые вызывают восхищение и воспринимаются зрителями совершенно по-разному.

ОШИБКА 9: Следование искусственным методам живописи

Пункт ошибки номер девять заключается в том, что художник полагается на искусственные методы живописи и рисунка. Он является продолжением предыдущего, поскольку работая по заведомо несовершенным методикам, художник попросту теряет время и силы впустую. Художник может тратить 10 лет на попытки преодолеть эти несовершенства и найти секрет для достижения отличных результатов, но все будет тщетно.

Да, можно научиться этим методам, но потом выясниться, что у вас недостаточно способностей, чтобы достичь желаемого результата. Это может привести к разочарованию. Однако вы всегда можете обратиться к технологии, основанной на законах природы и врожденных органах чувств и восприятия. Она помогает реализовать ваш Гений и достичь желаемого результата за короткий период времени. Просто получив необходимые навыки и следуя пошаговой схеме, вы сможете выполнить любую работу с гарантированно лучшим результатом.

ОШИБКА 10: Пытаться создать в одном мазке и форму, и цвет, и объем 

Десятая ошибка, которую часто допускают художники – это попытка создать в одном мазке форму, объем, пространство и цвет. Однако, это неэффективный и сложный подход. который требует много практики, таланта и творческих способностей.

Более удачным вариантом является следование законам природы, делая все постепенно, так же, как это делает сама природа. Рождение ребенка и работа законов мироздания – это идеальные примеры. Только так можно создать уникальное, интересное и поразительное произведение искусства.

Мы предлагаем использовать технологию Оптических просветов, которая позволяет работать поэтапно. На каждом этапе мы достигаем невероятных эффектов – на полотне сам образуется цвет, объем, внутреннее свечение. Все происходит естественным образом, как при рождении рассвета. Мы постепенно работаем над всей картиной, проявляем на ней объекты, выводим их из темноты и оживляем изображение на свет.

Чтобы понять, как работает наша технология поэтапного создания картины, я предлагаю посмотреть наш выпуск, который покажет, как мы создаем морской пейзаж. 

Современные художественные техники, такие как следы кисти на холсте, смешивание красок на палитре и добавление бликов для создания объема, могут привести к неживым, искусственным результатам. Короче говоря, современные техники и реалистичная живопись несовместимы.

Однако, если вы хотите создавать пространство, которое завораживает зрителя, впечатляет и погружает его в себя, вам нужно научиться правильно выстраивать свет, тени и полутона, а также достигать сложнейших цветовых переходов уже на ранних этапах работы. Для этого нужно изменить свой подход к работе.

Вы можете узнать больше о нашей технологии и увидеть, как происходит на полотне настоящее художественное волшебство, посетив наш бесплатный мастер-класс.  Эта методика отличается от традиционных и не требует таланта или выдающихся способностей. Вам нужно лишь следовать системе, и вы увидите, как «живое» изображение будет постепенно проявляться на полотне.

Вы решили стать хорошим художником. Много практикуетесь, читаете учебные материалы, смотрите видеоролики, анализируете чужие работы… но совершенно не замечаете прогресса. Усердная работа не приносит желаемого развития. «Может быть, это просто не для меня», – подумаете вы. – «Возможно, я зря трачу свое время». Однако, я уверена, что этому может быть другое объяснение. Вполне возможно, что вы просто неправильно планируете учебный процесс. Ошибочные выводы, непродуктивная практика… Стоит только избавиться от этого, как все изменится, и вы начнете видеть прогресс. Давайте подробнее рассмотрим ошибки начинающих художников и способы борьбы с ними.

1. Завышенные ожидания

Всякий раз, когда мы чего-то хотим, наши желания основаны на представлении того удовлетворения, которое мы почувствуем, когда получим желаемое. Созерцая великолепное произведение искусства, мы думаем, как было бы прекрасно нарисовать что-то подобное. Именно с этого чувства и начинается процесс обучения рисованию.

Но проблема в том, что вы не сможете удовлетворить возникшее желание здесь и сейчас. У вас не получится за одну ночь достичь уровня великих художников, которые годами учились этому искусству. И что же мы получим в итоге? Плохой рисунок – доказательство недостаточно развитых навыков. По сути, каракули ребенка.

Из-за этого каждая попытка нарисовать что-то красивое приводит к неизбежному разочарованию. Вы ожидаете одни эмоции, а на деле получаете совсем другие. При этом вы можете прекрасно понимать, что на учебу требуется время, но это не мешает вам чувствовать себя неудачником.

Зачем вообще рисовать, если я не могу нарисовать что-то красиво

Меня всегда удивляло, почему от рисования ждут немедленных результатов. Впервые сев за пианино, вы не думаете, что сразу будете играть, как Моцарт. И впервые сидя за рулем автомобиля, вряд ли кто-то мечтает с первого же раза выиграть гонку. Да и в отношении кулинарии мы не ждем ресторанного уровня, когда готовим блюдо впервые.

Во всех этих случаях ожидание неудачи естественно. Для вас это не имеет значение, потому что вы заранее настроились. Более того, ошибки начинающих художников часто становятся поводом для шуток и хорошего настроения! Однако, это не работает с первым рисунком. Вам кажется, как будто все ждут от вас феноменальных результатов с первой же попытки. Как будто раньше вы уже умели рисовать, но вам только сейчас позволили этим заняться.

Смотри, он не умеет рисовать. Зачем этот неудачник вообще взял в руки карандаш?

Умение рисовать – это такой же навык, как и все остальные. Вы не знаете, что и как делать, поэтому первые попытки чаще всего будут неудачными. Вторая попытка не намного отличается от первой, потому что вы все еще расстроены после первого «поражения». С каждой новой пробой ваш рисунок становится чуть-чуть лучше, но вы по-прежнему будете выглядеть как ребенок по сравнению с кем-то более опытным. И это норма!

Желание быть лучшим и чувствовать удовлетворение от создания идеальной работы делают вас нетерпеливым. Вы хотите добраться до места назначения не путешествуя. И чем медленнее кажется путешествие, тем хуже вы себя чувствуете, потому что это не то, чего вы ожидали!

Я хочу быть там, но не хочу туда идти!

Чтобы стать хорошим художником, для начала нужно понизить свои ожидания. Мыслите продуктивно, уделяя меньше внимания вашим желаниям (цели) и больше самому процессу (пути). Я научу вас упражнению, которое поможет обнаружить завышенные ожидания и заменить их на более продуктивные мысли.

Напишите список своих ожиданий от рисования. Запишите все, даже если они звучат нелепо. Дальше мы их проанализируем! Например:

• Каждый следующий рисунок должен быть лучше предыдущего;
• Плохие рисунки бесполезны;
• Когда я плохо рисую, это значит, что я неудачник;
• Я должен хорошо рисовать;
• Я должен быстро учиться.

Просмотрите все пункты в списке. Вы уверены, что они относятся к вам? А вдруг это не так и вы ошиблись? Давайте проанализируем каждое утверждение по отдельности.

Каждый следующий рисунок должен быть лучше предыдущего. Я не учусь линейно и равномерно, как компьютер. Иногда я практикуюсь в одной теме, а иногда в другой. Я много экспериментирую, поэтому иногда результат получается лучше, а иногда – хуже. Кроме того, я могу забыть изученное и снова повторить старую ошибку. И это нормально, потому что я человек, а не машина.

Плохие рисунки бесполезны. Плохие рисунки являются стандартным побочным продуктом обучения. Я не стану лучше, если сначала не буду хуже. Плохие рисунки также позволят получить ценный опыт и не совершать ошибки в будущем. Не совершив ошибку, я не узнаю, в чем я плох.

Когда я плохо рисую, это значит, что я неудачник. Когда я плохо рисую, это означает, что я просто не умею рисовать (многие люди настолько боятся этого факта, что даже не пытаются рисовать!). Каждый из нас в чем-то плох, но это не значит, что все мы неудачники! Я работаю, чтобы стать лучше, и это то, чем можно гордиться.

Я должен хорошо рисовать. Никто не обязан быть хорошим в чем-то. Я хочу рисовать красивые вещи, но ни один из художников не давал обещание рисовать исключительно красивые и приятные работы. Если кто-то считает иначе, это их проблема, а не моя.

Я должен быстро учиться. Каждый по-своему склонен к обучению. Если я учусь медленно, это не значит, что я ленив или недостаточно хорош. Это мой личный ритм и неправильно сравнивать его с чужим, потому что мы все разные.

Разве теперь эти пункты не звучат лучше? И мы не пытаемся исказить реальность, чтобы чувствовать себя уверенно. Реальность именно такая, какой вы себе ее представляете. Если постоянно повторять себе, что я неудачник и мне никогда не стать талантливым художником, то так оно и будет.

Возможно, вам кажется, что, не имея завышенных ожиданий, вы будете недостаточно мотивированы и станете меньше заставлять себя работать. Может быть, это правда. Но зачем тогда работать, если вы постоянно себя заставляете и это делает вас несчастным? Меньше давите на себя, и вы сразу начнете получать удовольствие от процесса рисования. Не от результата, а именно от процесса! Возможно, вы никогда не достигнете цели, но сможете насладиться процессом здесь и сейчас. А это, пожалуй, куда лучше, чем рисовать только ради того, чтобы стать хорошим художником и получить признание.

Учиться можно бесконечно, поэтому расслабьтесь и получайте удовольствие от процесса

2. Нежелание учиться

До сих пор многие верят в миф о таланте, без которого невозможны любые начинания. Некоторые считают, что известные художники извлекают все исключительно из своего воображения, без каких-либо подручных средств. Они никогда не используют референсы, никогда не проходят уроки, потому что тогда – внимание! – воспользуются чужими наработками. Это ведь обман! Такое мнение усложняет жизнь многим начинающим художникам.

Если вы считаете, что искусство создано только для получения похвалы, то дело приобретает серьезный оборот. Представьте, что вы восхищаетесь чье-то работой, а потом узнаете, что ее кто-то перерисовал. Получается, кто-то бесплатно получил ваше восхищение за навыки, которыми не обладает. Вот грязный мошенник…

Основываясь на таком мышлении, можно сформировать шкалу:

1. Рисунок, созданный из воображения, быстро и без лишней суеты.
2. Рисунок, созданный из воображения, но с определенными усилиями.
3. Рисунок, созданный по референсам.
4. Рисунок, созданный по уроку.
5. Перерисованный рисунок с фото/картины.

Конечно, данная шкала не предполагает качество рисунка. Данные пункты можно назвать уровнями сложности в рисовании. Легко быть успешным на самом последнем уровне, а отсутствие успеха можно оправдать, если вы находитесь на первом.

Да, я могу и лучше, просто не хотел облегчать себе задачу

Рисование по референсам, конечно, гораздо проще. Можно супер реалистично скопировать увиденное, даже не задумываясь о содержании. Рисуя из воображения, вам приходится самому представлять естественную позу, перспективу, правильную анатомию, детали, светотени… Естественно, такой подход к рисованию заслуживает большего признания.

Но за этим признанием стоят тысячи часов практики. Талантливые художники не родились со знанием «естественной позы, перспективы, правильной анатомии, деталей и светотени». Они годами нарабатывали эти знания, а использование референсов – наиболее быстрый и практичный способ.

Крайне непродуктивно продолжать рисовать одно и то же снова и снова, ожидая, что ошибки начинающих художников больше не будут преградой на пути к вашей цели. Найдите изображение того, что пытаетесь нарисовать, и сравните со своим рисунком, чтобы выявить ошибки. Это не похоже на использование шпаргалки во время экзамена, это больше похоже на использование учебника в процессе учебы!

Если вы пытаетесь нарисовать то, что никогда не рисовали, и надеетесь, что результат будет такой же красивый, как работы опытных художников, значит вы слишком высокомерны. Им пришлось учиться, а вы хотите стать крутым без обучения, потому что считаете, что учеба – это обман.

Зачем мне смотреть на собаку? Я и так должен знать, как она выглядит, иначе я не настоящий художник.

Рисунки, нарисованные из воображения, появляются не изнутри, а снаружи, только в прошлом. Десятки тысяч референсов хранятся у нас в голове – в памяти.

Умение рисовать – это такой же навык, как и все остальные. Он не возникает ниоткуда развитым на 100%. У вас не получается нарисовать кошку с правильными пропорциями? Проанализируйте фото этих животных, чтобы выявить основные черты. Все в вашем рисунке прекрасно, кроме головы? Найдите похожие снимки и выясните, что не так с рисунком. Со временем в вашей памяти соберется достаточное количество референсов и необходимость в них естественным образом отпадет. Отказ от референсов это как выбросить старую тетрадь с конспектами, потому что вы запомнили все их содержимое.

3. Отсутствие плана

Это еще одна проблема, возникающая непосредственно из-за мифа в талант и врожденные навыки. Вы учитесь рисовать… рисуя. Рисуя много и часто. Вы креативный человек и каждый раз пытаетесь создать что-то новое. Вам кажется, что чем больше усилий вложено в работу, тем круче будет результат.

Однако, так не работает. С таким подходом вы будете развиваться очень медленно. Другие люди продолжают улучшать свои навыки, а вы топчитесь на месте. Что же с вами не так?

Повторюсь, рисование – это навык, который вы развиваете. Он не скрыт внутри в ожидании, когда ему позволят проявить себя. Точно так же в людях не скрыта способность виртуозно играть «Лунную сонату». Не получится бездумно тыкать по клавишам, ожидая услышать музыку. Точно так же нельзя каждый раз рисовать случайные вещи и надеяться, что это приблизит вас к мечте стать профессиональным художником.

Если вы рисуете исключительно для публикации в сети и привлечения внимания, то вы прилагаете слишком много усилий для создания качественного рисунка, а не учебы. Ваша цель – стать профессиональным художником, правильно? Но этого не достичь, не нарисовав много неудачных эскизов. Пусть они будут корявые и некрасивые, их все равно никто не увидит.

При любом обучении вы должны думать и планировать. Не рисуйте хаотично, пытаясь в процессе развить свой навык. Решите, чему вы хотите научиться, и узнайте, как это изучить. После этого… учитесь. Рисуйте много, но целенаправленно. Анализируйте свои действия, а не просто наблюдайте за процессом. Найдите в Интернете и запомните полезные правила и секреты от известных мастеров, которые позже вам пригодятся. Протестируйте их на деле и при необходимости подкорректируйте.

Хаос и отсутствие четкого плана – первые враги обучения

Это не значит, что вы сейчас же должны перестать рисовать просто ради своего удовольствия. Просто не стоит каждый рисунок, эскиз или черновые наброски, дорабатывать до состояния публикации. Время от времени рисуйте полностью завершенные работы, которые не стыдно показать. Именно по таким работам вы увидите реальный прогресс.

4. Слишком много планирования

Вы начали серьезно заниматься рисованием. У вас много амбиций и упорства. Вы проходите уроки, тренируетесь в быстрых набросках, смотрите ролики других художников. Кроме того, регулярно читаете мотивационные материалы и смотрите лекции о рисовании. Ни дня не проходит без рисования.

И это отлично, но впереди вас ждет ловушка. Статьи и видео от опытных художников – отличный источник мотивации и опыта. Изучая подобные материалы, вы чувствуете, как ваши навыки пассивно улучшаются. Вы ищите что-то новое: «5 секретов хорошего рисунка», «10 привычек успешного художника», «Совет, который упростит рисование». Это похоже на обучение, но без каких-либо усилий с вашей стороны!

Не поймите меня неправильно, все-таки я тоже написала одну из таких статей. Но когда вы в очередной раз смотрите видео «10 привычек успешного художника», вместо того, чтобы заняться реальным делом, вы крайне непродуктивны. Вы не работаете над достижением своей цели. Создается иллюзия продуктивности, но статьи и видео ничего не стоят, если вы не будете применять полученную информацию на практике.

Сюда же можно отнести постоянный поиск советов, новаторских техник, о которых вы еще не слышали. Вместо того, чтобы просто взять карандаш и научиться рисовать, вы тратите время на поиски блестящей техники, которая позволит получить результат здесь и сейчас. При этом вам тоже кажется, что вы очень продуктивны. Однако, это не так.

Учебники и различные руководства полезны, но относитесь к ним, как к вспомогательным материалам. Не нужно заменять ими реальную практику. Любую, даже самую простую технику, следует отрабатывать на практике, чтобы усвоить. Прочтение толстой книги о рисовании не сделает из вас Айвазовского. Просмотр руководств и статей не исправит ошибки в рисунках.

Только рисование улучшит ваши навыки. И хотя это непродуктивно рисовать без какой-либо подготовки, слишком много подготовки так же плохо. Досмотрите ролик до конца, дочитайте статью. А потом… рисуйте!

5. Сравнение себя с лучшими

Большинство из нас начинает рисовать, вдохновившись работами других художников. Не только старых мастеров. В эпоху цифровых технологий больше не нужно посещать галереи, чтобы увидеть профессиональные картины. Кроме того, сейчас мы можем включить видеоролик с процессом рисования и увидеть, как талантливые художники из простых мазков создают свои шедевры. Это ваша цель и то, кем вы хотите стать.

Наблюдение за творчеством великих художников действительно вдохновляет, но иногда может убить веру в собственные силы. Их уровень кажется таким недостижимым, так зачем беспокоиться? Тем более, что вы и на 5% не нарисуете так же хорошо, как они. Ваши лучшие рисунки выглядят, как детские каракули, по сравнению с их шедеврами. Они могут за 20 секунд набросать из воображения эскиз, который вы не повторите и за 20 часов с референсами.

Да, эти художники, безусловно, кажутся богами искусства. Но они такие же люди, как мы с вами. Вы узнали о них после того, как они прошли свое путешествие и добрались до цели, но вы ничего не знаете о своем путешествии. Поэтому, сравнивая себя с другими художниками, вы, на самом деле, сравниваете свою текущую позицию в путешествии с их местом назначения, и это всегда будет приносить только разочарование.

Каждый художник с чего-то начинал. Каждый рисовал детские каракули, у каждого есть много плохих рисунков и первые удачные работы. И вот, спустя тысячи часов практики и упорного труда, они, наконец, достигают того состояния мастерства, которое вы видите их сейчас. Вы поработали всего 100 часов или даже меньше, а потом спрашиваете почему у вас не получается так же хорошо.

Вы не можете магическим образом телепортироваться в это состояние. Другие художники достигли этого часами упорной работы, и вы тоже должны через это пройти. Не игнорируйте их путь только потому, что не видите его. Не стоит приписывать их способности какому-то мистическому таланту. Это сделает ваше путешествие к цели сложным и лишит мотивации.

Как у него так хорошо получается, это несправедливо!

Вы не знаете, через что они прошли, с какими трудностями им пришлось столкнуться и насколько хороши они были в том или ином возрасте или через определенное количество часов. Ваше путешествие уникально и не имеет ничего общего с чужими. Ваше место назначения может быть таким же, но путь – другой. А попытка догнать кого-то, кто отправился в путешествие раньше вас, только высосет всю энергию и убьет мотивацию.

Единственный здравый и справедливый способ судить о своем прогрессе – сравнить себя… с самим собой. Вы можете понять, насколько продвинулись к цели, сравнивая свое текущее положение с предыдущим, а не сравнивая свое положение с положением того, кем вы восхищаетесь.

Точка, в которой вы находитесь сейчас, когда-то была вашим местом назначения

Не выбрасывайте свои рисунки, даже если они плохие. Оставьте их для сравнения в будущем. Всякий раз, когда вы чувствуете неуверенность в себе, сравните старые и плохие работы с нынешними. Поверьте, вас удивит то, насколько быстро вы принимаете свои новый уровень, как должное!

Не торопитесь, медленно, но уверенно продвигайтесь по своему пути. Нужны тысячи часов, чтобы стать мастером в любом деле. Одни уже прошли свой путь и сделали то, что предстоит вам. Любуйтесь их работами и пусть они будут напоминанием того, во что могут превратиться долгие часы практики. Уже состоявшиеся художники ничем не лучше вас, как и вы их. Они добились всего упорной работой, и вы должны.

6. Постоянная смена инструментов

Понятие «рисование» имеет очень широкое значение. Набор черточек на камне – это рисунок. Контур, сделанный шариковой ручкой, – это рисунок. Реалистичный портрет с тенями и бликами – это рисунок. Цветной пейзаж, нарисованный на графическом планшете в Photoshop, – это рисунок. Кроме того, вы можете объединить разные техники рисования, например, карандаш и акварель и получится тоже рисунок. Вариантов действительно много!

Но каждый вариант предполагает использование определенного набора инструментов. Возможно, вы считаете, что если не добились потрясающего результата с одним инструментом/техникой рисования, то пора переключиться на что-то новое.

Нет ничего плохого в экспериментах и поиске тех техник и инструментов, с которыми вам будет наиболее комфортно работать, но вы должны понимать, что каждый инструмент сперва нужно изучить. Вы не найдете магическую палочку, которая сразу же решит все проблемы. Если у вас не получается нарисовать правильную линию, это не означает, что карандаш слишком грубый или бумага слишком гладкая. Просто ваша рука недостаточно натренирована. И вы не научитесь работать с карандашом, если не посвятите этому достаточно времени.

Не существует идеального инструмента, единственного, который с первого мазка превратит вас в художника. Каждый инструмент и техника требуют практики

Подобные ошибки начинающих художников особенно актуальны среди тех, кто не может позволить себе графический планшет. Вдохновляясь четкими и яркими цифровыми рисунками, они обвиняют традиционные инструменты (карандаши, кисточки) в своих неудачах. Если бы в традиционном рисунке можно было сделать ход назад. Или трансформировать отдельную часть рисунка. Или без следа стереть неудачную линию. Это сделало бы все намного проще!

Но просто не значит лучше. Скрытие своих слабостей не делает вас сильнее. С ними нужно бороться. Изо всех сил пытаетесь провести прямую линию? Работайте над этой проблемой, пока не добьетесь успеха. Не нужно сразу бросаться на поиски инструмента, который упростит работу. Не переключайтесь резко на другой инструмент, после того, как увидели картину, нарисованную им. С помощью и карандаша, и кисточки, и графического планшета можно создавать потрясающие рисунки. Нужно только потратить свое время и овладеть этими инструментами.

7. Нерегулярная практика

Были дни, когда вы регулярно рисовали, проходили уроки, смотрели мотивационные ролики, создавали странички в соц. сетях для публикации своих рисунков. И вдруг вы увидели потрясающую картину, которую, как вам показалось, вы никогда не нарисуете. Затем кто-то пишет неприятный комментарий под вашей работой, и вы окончательно теряете веру в себя.

Затем на какое-то время вообще перестаете рисовать. Страницы в соц. сетях становятся пустыми, а фанаты забывают о вас. И тогда вы снова кем-то или чем-то вдохновляетесь и начинаете работать. Еще усерднее, чем в прошлый раз. Но это ненадолго, потому что ваши навыки остались на прежнем уровне.

А может вам нравится рисовать, но вы просто не можете уделять этому много времени. Сегодня вы что-то нарисовали, прошли урок, неделю попрактиковались… а затем в вашей жизни снова произошло что-то важное. Вы любите рисовать, но у вас попросту нет на это времени. Вам кажется, что это может подождать неделю-две. Но когда вы возвращаетесь, то понимаете, что весь предыдущий прогресс сошел на нет.

Наши мозги неидеальны. Наша память – это не жесткий диск компьютера, куда можно сохранить что-то важное до лучших времен. К каждому воспоминанию ведет своеобразная дорожка и чем дальше вы зайдете, тем легче будет добраться до цели. Но если остановиться, то дорожка зарастет кустами и вы, возможно, больше никогда не найдете ее.

Вот поэтому повторение – это ключ к обучению. Вы можете целый день практиковаться и надеяться, что усвоенные знания останутся навсегда. Но, если их не использовать вскоре после получения, то мозг решит, что эта информация не важна и забудет ее. Чтобы знания сохранялись дольше, их нужно практиковать. Обучение – это не круглосуточная разовая практика, а постоянные регулярные занятия.

Тысячи часов, которые нужно потратить на совершенствование навыков, не возникнут сразу из ниоткуда. Нужны перерывы, время, чтобы знания закрепились. Это происходит даже во время сна! Таким образом, получасовая практика каждый день даст вам гораздо больше, чем один день в неделю проведенный за рисованием.

Не ждите идеального времени, когда вам будет удобно практиковаться. Выделите в течение дня 15-30 минут на рисование и сделайте это ежедневным ритуалом, как приготовление пищи, просмотр фильмов или уборка. Полчаса каждый день лучше, чем 10 часов раз в сто лет.

8. Рисование для других

Любуясь чьим-либо произведением искусства, вы чувствуете не только восхищение. Рядом находится и зависть. Зависть не к навыкам мастера, а к восхищению, которое он получает за свое мастерство.

Очень приятно, когда вас хвалят за тяжелый труд. Когда окружающие признают ваши усилия, вы чувствуете гордость и уверенность! Но есть и другая сторона медали. Когда другие плохо отзываются о ваших рисунках, вы чувствуете себя униженным, никчемным, несмотря на то, что довольны выполненной работой.

Крайне нежелательно связывать свою самооценку с качеством ваших работ. Если вы чувствуете себя бесполезным до тех пор, пока не получите чьё-то признание и похвалу, то это непродуктивно.

Когда окружающие оценивают вашу работу, они судят не конкретно вас, а ваш навык. И только вы сами ставите знак равенства между этими понятиями. Это очень негативно отражается на вашей самооценке и вере в себя. Если вы начинаете верить, что чужая похвала – это доказательство вашей значимости, тогда вашей целью становится удовлетворение других людей, а не собственное саморазвитие. Вы не будете позволять себе экспериментировать, чтобы случайно никого не разочаровать. Вы, по сути, продаёте продукт, который нужен окружающим, чтобы они обратили на вас внимание.

Пожалуйста, похвалите меня!

Что плохого, если обе стороны – и создатель, и получатель продукта – счастливы? Зависит от того, с какой стороны посмотреть. Если вам действительно нравится снова и снова рисовать одних и тех же популярных персонажей в той технике, которая нравится вашей аудитории, тогда все хорошо. Но, если при этом вы чувствуете себя рабом их интересов и боитесь попробовать что-то новое, тогда пора отказаться от этого.

Вам кажется, что вы хотите нарисовать то, что понравится вашим поклонникам, но в действительности вам хочется, чтобы им понравилось то, что вы рисуете. Именно вы сами должны стать своим самым большим и преданным поклонником. Ваше мнение должно быть выше мнения окружающих. Даже если тысяча человек скажет, что им не нравятся ваши рисунки, это неважно, если они нравятся вам. Потому что это ваше и только вам лучше знать, как это должно выглядеть.

Если вы сами решили нарисовать это именно так, то критика окружающих – всего лишь дело вкуса, и не то, о чем стоит судить однозначно правильно или неправильно

Запомните: каждый человек имеет право на собственное мнение. Если окружающим не нравится то, что нравится вам, это не значит, что они неправы. Мнения не могут быть правильными или неправильными. Вы всего лишь можете им поделиться или оставить при себе. В ответ на неприятный комментарий просто улыбнитесь. Выслушайте любые советы и самостоятельно решить стоит ли к ним прислушиваться. В конце концов, вы не обязаны всем нравиться.

9. Перфекционизм

Обычно, перфекционизм считают просто частью личности человека. Однако, я считаю это расстройством личности. Если вы закоренелый перфекционист, то у вас искаженное представление о собственных достижениях. Независимо от того, насколько хорошо вы выполнили работу, вы никогда не будете удовлетворены, потому что знаете, что можете еще лучше. Похвала и восхищение других для вас не имеют значения. «Они просто хотят быть добрыми и боятся обидеть. Или просто не разбираются в искусстве», – подумаете вы.

Каких бы успехов вы не добились, для вас все незначительно. В сознании перфекциониста работа над собой похожа не на покорение горы, а на рытье ямы. Для перфекциониста лучшим является состояние по умолчанию, а источником стыда – фраза «недостаточно хорош».

Используя такой подход, вы все еще можете замечать свои успехи. Как правило, перфекционисты много работают, поэтому у них больше шансов достичь цели. Проблема в том, что перфекционист не испытывает удовлетворение от своих успехов. Он постоянно давит на себя, чтобы с каждым разом рисовать все лучше и лучше, при этом лишая себя награды за реальные достижения. Выражаясь метафорически, перфекционисты не зарабатывают деньги, они погашают долги.

У меня нет лекарства от перфекционизма, но я могу дать вам ценный совет. Вы должны понимать, что все только в вашей голове. Это не значит, что вы можете это контролировать или в чем-то виноваты. Просто любая ваша неудача не имеет никаких внешних последствий. Только внутренние. Это ранит, но не убивает.

Вы сделали ошибку, и что? Никто на вас не давит, и вы не обязаны быть идеальны во всем и всегда!

Вы считаете, что любые ошибки начинающих художников сравнимы позору. Но попытайтесь посмотреть на это более рационально: «Я человек, а все люди ошибаются. Но я могу учиться на своих ошибках и становиться лучше». Поэтому ошибайтесь! Если вы боитесь заняться фотосъемкой, потому что не знаете с чего начать, тогда намеренно начните неправильно. Получайте от этого удовольствие и растите над собой!

Вы считаете, что все люди обязаны хорошо рисовать? Нет. Так почему к себе так относитесь? Что делает вас особенным? Вы единственный, кто ожидает от себя потрясающих результатов во всем. Прикажите этой личности заткнуться хотя бы на время. И с каждым разом увеличивайте это время. Вы такой же, как все. И каждый человек многие вещи делает плохо. Так будьте похожим на остальных!

10. Считать реализм единственно правильным стилем рисования

Искусство, в самой популярной трактовке, – это создание копии реальности при помощи каких-либо средств. В каждом мазке кисточки должен быть какой-то скрытый смысл, и задача зрителя его распознать. И чем проще его распознать, тем лучше. Нет ничего хуже реалистичного рисунка, который не выглядит реалистично.

Если вы поклонник реализма, то для вас не существует компромиссов. Реализм – единственный стиль, который имеет значение, это вершина творчества. Все остальное пустяки и несерьезно. Линейный набросок может выглядеть очень красиво, но он никогда не будет так же крут, как фотореалистичный портрет карандашом.

У настоящих котов голова не круглая, неудачник!

В давние времена живопись должна была как можно точнее запечатлеть реальность. Тогда не было фотоаппаратов и видеокамер. Поэтому идеальный реализм был целью большинства мастеров прошлого. Сегодня у нас есть камеры и они гораздо точнее передают реальность, чем любой художник. И быстрее. Если нам нужно скопировать фото, мы пользуемся копировальной машиной. Сегодня невероятно просто запечатлеть реальность со 100% схожестью.

Из-за этого реализм (или фотореализм) стал просто искусством ради искусства. Вы рисуете реалистично только потому, что хотите доказать себе/другим, что умеете это, и ничего больше. Хотя сегодня реалистичные рисунки ничем не лучше других стилей. Реализм можно назвать стилем по умолчанию, но не единственным.

Быть хорошим художником не означает, что вы можете со 100%-ной точностью нарисовать реалистичный рисунок. Быть хорошим художником – это знать, как правильно, но позволять себе намеренно делать ошибки. Вы играете с реальностью и то, как вы это делаете, формирует ваш собственный стиль рисования.

В эпоху копировальных машин, намеренные ошибки могут превратить рисунок в настоящее произведение искусства

Если бы вершиной искусства считался реализм, то все художники рисовали бы одинаково. Идеально, но все же одинаково. Стилизованный рисунок – это ваша визитная карточка, которая делает вас уникальным. А это гораздо круче, чем реализм. В такую работу вы вкладываете частичку души. И вместо того, чтобы показать поклонникам своего творчества то, что они могут увидеть в реальности, вы показываете им то, что они не могут увидеть без вас. Я считаю, что в этом и заключается настоящее искусство!

Но как отличить действительно персональный стиль от случайности? Все зависит от ваших намерений. Если в голове была идея с конкретным результатом, а получилось иначе, это ошибка. А если вы понимаете, как должно быть реалистично, но намеренно искажаете, например, пропорции, это не ошибка. Поэтому отклонение от реализма должно быть целью, а не случайностью.

Но также важно изучить реалистичный рисунок. Если вы хотите изобразить льва, то должны знать, как он выглядит, чтобы другие тоже могли узнать его в вашем рисунке. Как только вы поймете, что считается реалистичным, то намеренно сможете заменять любые детали рисунка. И тогда вы перестанете быть рабом реализма!

Завершение

Рисование, как и любой другой навык, прост на поверхности, но таит в себе много подводных камней, если в него углубиться. А поскольку многие по-прежнему считают, что с этим навыком можно только родиться, то человеку будет сложно научиться рисовать. Надеюсь, эта статья нашла отклик внутри вас и помогла стать увереннее в своих способностях. Также рекомендую вам посетить социальную сеть художников и иллюстраторов wearts.ru. Там вы найдете современные арт-работы, сможете показать свои и получить поддержку от людей, увлекающихся творчеством. Ошибки начинающих художников легко исправить, если знать их первопричину.

Оставляйте комментарии, подписывайтесь на обновления и делитесь статьей в соц. сетях. Приятного творчества!

Как  правило,  начинающие  художники  делятся  на  два  типа:  одни  не  умеют  вообще  ничего,  а  другие  кое-что  умеют  и  очень  этим  гордятся.  Тем,  кто  ничего  не  умеет,  повезло  больше,  если  они  попали  к  профессиональному  художнику — педагогу.

В  профессиональной  среде  бытует  мнение,  что  ученик,  начинающий  с  чистого  листа — идеальный  материал  для  того,  чтобы  вылепить  из  него  художника, музыканта,  танцора, спортсмена  и  т.д.

Не  хочу  ни  в  кого  тыкать  пальцем,  поэтому  приведу  личный  пример.  Иногда  над  собой  посмеяться  полезно,  так  как  не  считаю  зазорным  признаться  в  собственных  ошибках  и  заблуждениях,  которых  имел   множество.

Будучи  студентом  первых  курсов  художественного  училища,   в  свободное  от  учёбы  время  я  успевал   работать  по  частным  заказам,  которые  поступали  от  обширного  круга  моих  знакомых.   Не  секрет,  кто  определял  мои  предпочтения   в  живописи,  а  именно,  заказчики.  Когда  я  слышал  комплименты  людей,  купивших  мои  работы,  то  испытывал  гордость  за  себя,  за  то,  что  я  такой  талантливый,  целеустремлённый,  знающий  своё  дело.

Мне  казалось,  я  себя  нашёл!  Наверное,  всё  бы  так  и  продолжалось,  если  бы  не  художники,  с  которыми  я  всё  чаще  и  чаще  сталкивался.  Видя  мои  работы,  они  презрительно  отворачивались,  а  иногда  так  и  говорили,  хочешь  понравиться  всем,  неси  свои  картинки  в  салон.

Я  не  понимал,  в  чём   проблема,  почему  профессионалы  не  считают  моё  творчество  интересным.  Будучи  человеком  ищущим,   привыкшим  во  всём  разбираться,  я  поборол    гордыню  и  начал  искать  причины  такого  отношения  к  моим  работам  со  стороны  состоявшихся  мэтров.

Думаю,  историю  следует  начать  с  самого  начала.  А  какое  начало  у  художников?  Наверное,  такое  же,  как  и  у  всех  творческих  людей.

Ещё  в  детстве   многие  из  нас   чувствуют   тягу  к  рисованию,  музыке,  литературе.  Я  не  был  исключением,  поэтому  до  сих  пор  не знаю,  куда  девать  кипы  своих  детских  и  юношеских  рисунков.  Я  рисовал  не  ради  соревнования  с  товарищами  —  кто  лучше,  и  не  потому,  что  меня  заставляли  родители,  пророча   будущее  художника,  мне  просто  это  нравилось,   я  выражал  себя  творчески.

Когда  пришло  время  определяться  с  будущей  профессией,  так  случилось,  что  я  больше  ничем  не  хотел  заниматься,  но  сама  мысль  выбрать  профессию  художника  пугала  меня  до смерти.   Я  вообще  был  очень  робкий  юноша,  мне  было  непонятно,  как   рисование  можно  заключить  в  какие-либо  рамки,  придумать  законы  и  им  следовать.  Я  смутно  представлял,  как  это  —  учиться  на  художника,   неужели   в  учебных  заведениях   ученикам  вкладывают  в  головы  идеи   и  придумывают  за  них  сюжеты  картин?

Если  я  изображал  что-то  на  листе  бумаги,  неважно,  будь  это  пейзаж,  портрет  либо  иная тема,  я  стремился  наиболее  точно  воссоздать   натуру.

Когда  дело   дошло  до  поступления  в  училище,  я  знал,  что  мне  там   нужно  и  чему  я  должен  научиться.

Вот  список  навыков  и  результатов,  которые,  как  мне  казалось,  я  должен  был  приобрести,  закончив  учёбу.

Научиться  пользоваться  всеми  необходимыми  художественными  материалами.

Узнать  все  секреты  старых  мастеров  (и  новых  тоже,  по  возможности).

Научиться  создавать  эпические  картины,  такие,  чтобы  дух  захватывало  от  затраченного   на  них  труда.

Найти  свой  узнаваемый  авторский  стиль.

Перестать  сомневаться  в  собственных   силах,   творить  легко.

Выработать  алгоритм  создания  шедевров  и  сотворить   ряд  из  них,  ещё  будучи  студентом.

И  последнее  —  стать  успешным  художником!

Сейчас  я  знаю,  что  любой  из  пунктов  моего  плана   —  фантазии  дилетанта  или  попросту  бред.  Я  расстался  с  этими  мечтами,  когда  начал  общаться  с  профессионалами.

Мне  стало  ясно,  что  есть  только  два  способа  водить  дружбу  с  Его  Величеством  Искусством.  Первый  —  это  подчинить  его  себе  и  эксплуатировать  ради  прибыли,  в  итоге  став  угодником  и  рабом   зрителя.

Второй  же  способ  менее  привлекательный,  а  главное,  вообще  непонятный  всем,  кто  находится  на  уровне  дилетанта.    Создавать  новые  миры,  искать  свежие  решения,  показывать  суть,  а  не  красивую  обёртку,  видеть  прекрасное   там,  где  его   не  видит  большинство,  говорить,  что  думаешь,  а  не  то,  что  от  тебя  ждут.

Возвращаясь  к  началу  моей  истории,  скажу,  что  те  навыки  и  знания,  которые  я  собирал  самостоятельно,  сильно  мне  мешали,  потому   что   я  ставил  акценты  не  там,  где  нужно  и  чересчур  любовался  собственным  мнением.

Как  оказалось,  мои  взгляды  на  живопись  были  ошибочны,  и  в  этом  мне  помогли  разобраться    учителя  и  наставники.

Сейчас,  когда  мне  приходится  общаться  с  такими  же  всё  знающими  учениками,  я  отлично  их  понимаю.   Иногда  в  общении  с  ними  мне  удаётся  найти  нужные  слова,  иногда  нет.

Говоря  про  ошибки  начинающих  художников,  я  выделил  бы  одну  единственную,  потому  что  другие  —  мелочь  по  сравнению  с  ней.  Это  попытка сидеть   на  двух  стульях.

Кто  Вы  —  творец,  создатель   (с  этим  следует  разобраться  в  начале  пути)  или  же  тот,  кто  идёт  проторенной  тропой,  не  желая  подвергать  себя  риску  оступиться.    Естественно,  что  желание  сидеть  на  двух  стульях  —  самый  простой  ответ  на  вопрос,  но  это  иллюзия.  Ваш  стул  всегда  один.

Здесь  же  лежат  ответы  и  на  другие  злободневные  темы.   Вот  Вам  одна  из  них.  Привожу  комментарий,  опубликованный  на  блоге,  к  статье  «Никто  не  хочет,  чтобы  Вы  стали  художником».

“Забавное  подтверждение — то,  что  пишешь  искренне,  от  души — не  продается,  потому  что не  резонирует  со  зрителем.  А  вот  подделка  под  искусство — запросто — наблюдаю  этот процесс  изнутри,  так  как  пишу  сама  и  год  работала  в  арт  салоне.  Наблюдала,  как замечательно  продаются  печатные  копии  неизвестных  авторов  с  Монмартром  и  греческим побережьем  и  как  отвратительно  покупаются  холсты  местных  художников.  Понятно,  человеку хочется  в  минуту  отдыха  поднять  глаза  и  увидеть  сказочную  мечту,  а  не  реальность,  как  за окошком.  Что  до  «художников»,  неприятно  поражает  отношение  «членов»  к  не  «членам». Можно  подумать,  с  титулом  этим  они  появились  на  свет,  и  передается  он  по  наследству. Все  кончали  одни  вузы  и  все  одним  миром  мазаны,  но  отношение  такое,  как  будто  клякса, с  задумчивым  видом  поставленная  ВЕЛИКОЙ  рукой,  ценнее  и  продуманней  всей  картины молодого  художника.  А  молодой  художник  подобные  кляксы  и  показывать  постыдился  бы.  И  вот  уже  про  пейзаж  с  претензией  на  реализм  тебе  рассказывают,  что  колорит  не  тот, сюжет  не  этот,  построение  не  такое,  зато  закорюка  цветом  из  тюбика  кисти  «члена»  не поддается  критике — там  же  нет  построения,  реализма,  анатомии,  чтобы  их  критиковать…  И вот  молодой  художник  вроде  и  не  молод,  но  в  «члены»  все  равно  мордой  не  вышел,  если с  «членами»  дружбы  не  водит…”

Отвечая  на  комментарий,  скажу,  что  подделка  под  искусство  всегда  будет  продаваться  хорошо,  это  подтверждает  сказанное  мной  ранее.  Автор,  идущий  на  поводу  у  зрителя,   всегда  востребован,  всегда  любим  теми,  кто  относится  к искусству  как  к  прислуге.  По  поводу  того,  что  написанное  от  души  не  резонирует  со  зрителем,  говорить  сложно,  потому  как  это  понятие  абстрактное,   его  невозможно  передать  словами.  Например,  для  меня  “от  души” —  это  история,  рассказанная  языком  визуальных  образов,  то  есть  профессионально  закомпонованная,  технически  решённая  плоскость  с  ясно  читающейся  авторской  идеей.

По  поводу  мнимого  неравноправия  “членов”  и  “не  членов”  СХР,  а  также  молодых  художников  и  состоявшихся  мастеров,  опять  же  отсылаю  к  ранее  написанному  тексту.   Мною  замечено,  что  все  обиды  подобного  рода  водятся  за  художниками,  так  и  не  сумевшими  увидеть  суть  за  бронёй  собственного  “Я”.  Когда  сравнивают  закорючку  мастера  с  картинкой  начинающего  молодого  художника,  мне  хочется  спросить,  а  почему  Вы  велосипед   с  космическим  кораблём  не  сравниваете?   Ведь  речь  об  одном  и  том  же,  как  ни  крути  — средства  передвижения.

Если  Вы  спросите  меня,  на  чьей  я  стороне,   смело  скажу,  что  на  стороне  художников  ищущих,  тех,  кто  идёт  своим  путём,   мне  совсем  неважно,  какие  у  них  звания,  регалии  и  награды.  Будет  банальным,  если   добавлю  к  сказанному,  что  это  самый  трудный  путь,  но  и   самый  интересный!   А  как  же  при  этом  интересно  их  творчество,  как  завораживают   созданные   ими   уникальные   образы  и  миры.

Подозреваю,  что  зрителю,  воспринимающему  изобразительное  искусство  утилитарно,  трудно  понять,  о  чём  я  говорю.   Даю  подсказку,  наберите   в  поисковике  три   слова  «портрет  на  заказ»,  что  Вы  увидите?

Бесчисленное  количество  портретов,  сделанных  одним  автором.  На  самом  деле  все  авторы  разные,  а   их  работы  одинаковые,  трудно  отличить,  кто  есть  кто.  Некоторые  прикладывают  к  созданной  работе  фото,  с  которого  она  написана,  подтверждая,   как  умело  они   копируют.

А  теперь  вопрос.   Что  Вы  испытываете  при  созерцании  данного  “искусства”?

Кроме  удивления,  ничего!   Да,  Вы  можете  сказать,  что  так  не умеете,  что   хотите  научиться  так  же  и  т.д.

А  теперь  я  расскажу,  что  же  Вам  не  додали,  обвесили,  как  на  рынке,  украли,  вытащили  из  кармана,  обманули.

Живопись  —  это  музыка  в  цвете,  художник,  создавая  картину,  создаёт  мелодию.  Цвет  для  живописца   —  не  просто  колер  или  краска  —  это  элемент  целого.  Чтобы  гармония  состоялась  и  каждая  нота  была  на  своём  месте,  простого  подражания  фотографии  недостаточно.

Если  мы  говорим  об  искусстве,  то  картина,  прежде  всего,  художественный  образ,   призванный  раскрыть  суть,  а  не  внешнюю  оболочку.

Простыми  словами,  Вы  как  зритель  не  получите  эстетического  удовольствия, не  испытаете  культурного  шока  от  подобного  творчества,  не  услышите  музыку,  не   будете   сопереживать.

Если  Вы  забьёте  в  поисковик  «пейзаж  на  заказ»,  ситуация   будет  та  же  —  картин  много,  а  автор  один!

Впрочем,  если  же  Вы  относитесь  к  изобразительному  творчеству   как  к  слуге,  Вам  будет  по-прежнему  сложно  меня  понять.  Не  желая  видеть  в  картине  ничего,  кроме  предлагаемого  сюжета,  Вы  сами  лишаете  себя  полноты  жизни,  частью  которой  является  искусство.

Хочу  напомнить  всем,  кто  пропустил  прошлую  статью,  сейчас  я  объявляю  набор  на  курс  о  цвете  в  живописи.   Если  он  Вам  интересен,  то  введите  свой  электронный  адрес  в  форму   под  этой  статьёй    перейдите  по  ссылке  http://grigoryevalexandr.ru/vozrast-tvorhsestvu-ne-pomeha.html

Ошибки начинающих художников. Как их избежать?

Перевод статьи Robie Benve “13 Beginner Painting Mistakes You Want to Avoid” 

Было ли с вами такое – вы пришли на выставку и вдруг поняли, что вокруг работы одних новичков? Как их распознать? Какие ошибки начинающих художников свойственны любительской живописи?

Многие начинающие художники делают одни и те же ошибки. Их легко могут заметить как профессиональные художники, так и обычные зрители.

Ниже приведен список самых распространенных ошибок новичков. Он поможет вам их избегать, а ваши работы перестанут выглядеть посредственнымы и скучными.

ОШИБКИ НАЧИНАЮЩИХ ХУДОЖНИКОВ

Ошибка №1. Рисовать все, что видите

Не пытайтесь быть фотоаапаратом. Вы создаете картины, в них – ваше собственное видение мира, изображаемых объектов.

Вы не обязаны рисовать каждую деталь лишь потому, что она есть в реальности.

Будьте избирательными – включайте только те элементы, которые подчеркнут каждый конкретный сюжет. Фотография – ваш помощник. На ней есть все необходимые элементы, но какие из них включать – решаете только вы.

Кроме того, когда вы пытаетесь достичь фотореализма в своих работах, даже маленькие незначительные ошибки в несоблюдении размеров, углов наклона и тому подобные, будут очень заметны зрителю.

---

Читать в контексте: Линия горизонта, как правильно найти ее место в картине?

---

Ошибка №2. Быть заложником сюжета

Не обязательно рисовать объекты в том месте, где они находятся на самом деле. Вы можете менять их местоположение, если это усилит композицию картины. Это верно для любого жанра, в том числе и для пейзажа.

Можете совмещать элементы с разных фотографий. В этом случае важно помнить про то, где находится источник освещения.

Если вы рисуете узнаваемое место, передвигать объекты в рамках картины может быть проблематично. Вместо этого можно сдвинуть вторичные или переменные элементы или вовсе от них отказаться.  К таким элементам относятся фигуры людей, зонты, мебель, цветы и т.д.

Ваша основная задача – передать сюжет, ухватив его суть, и подобрать для этого лучшую композицию из возможных.

Ошибка №3. Размещать главные элементы в центре картины

Не размещайте главный элемент картины строго в центре, иначе взгляд зрителя будет прикован только к нему.

По этой причине избегайте и размещения по центру основных линий, таких как край стола, ствол дерева. Они как будто разрезают картину пополам вертикально или горизонтально.

---

• Как найти свой стиль рисования? Практическое руководство.
• Как правильно составить натюрморт

---

Ошибка №4. Рисовать похожие или равноудаленные объекты

Есть одно простое композиционное правило – расстояние между объектами должно быть разным. Это значит, что вы должны применить разнообразие ко всем элементам картины, чтобы привлечь внимание зрителя и заставить его взгляд блуждать по ней.

Если вы работаете над пейзажем – меняйте форму и размер ваших деревьев, смешивайте разные оттенки зеленого, обратите внимание на расстояния между объектами. Избегайте однотипных рядов деревьев или кустарников одного размера.

Даже если вы рисуете такой упорядоченный, с заданной формой, объект как забор, добавьте немного разнообразия – сделайте местами шире зазоры, наклоните пару досок, а то и вовсе пропустите одну.

Великолепная работа Винсента Ван Гога “Ирисы”. Густые мазки краски, чуть размытый фон, продуманные линии, прекрасная композиция и размещение центра картины.

---

Как развить идеальный глазомер?

---

Ошибка №5. Одинаковое количество деталей на переднем и заднем планах

Эта ошибка особенно часто встречается у тех, кто рисует не с натуры, а по фотографиям.

На фотографиях сохраняется огромное количество деталей и почти все они в фокусе. Вы можете ясно разглядеть и травинку на переднем плане, и ветку дерева вдали.

Однако наши глаза видят по-другому. Если мы сосредоточим взгляд на одной области, все остальное будет размыто.

Решите где будет центр вашей работы, нарисуйте его более подробно.

Не детализируйте все области картины одинаково. Как правило, в фоне очень мало деталей, их количество постепенно увеличивается к переднему плану и композиционному центру картины.

---

• Как выбрать удачный фон для своей картины?
• Как создать гармоничную композицию картины?

---

Ошибка №6. Использовать готовые зеленые оттенки

Поражает разнообразие и насыщенность зеленых оттенков, встречающихся в природе. Их невозможно подобрать, используя лишь краску из готовых заводских тюбиков и кювет, сколько бы их у вас ни было.

Основное преимущество покупки зеленых оттенков – они всегда у вас под рукой. Однако вы добьетесь куда больших успехов, смешивая готовые цвета с другими, чтобы добиться желаемых оттенков.

“Они будут продавать вам тысячи оттенков зеленого цвета. Veronese green, изумрудный, кадмий зеленый, и любой зеленый, который вы только пожелаете, но нужный – никогда.” – Пабло Пикассо

Яркие и похожие друг на друга оттенки зелени присутствуют в работах многих начинающих художников. Вы сразу заметите, что они используют готовые зеленые краски.

Чтобы избежать подобной ошибки, смешивайте свои оттенки зеленого, добавляя разные цвета. Добавив синий к зеленому, вы сделаете его холоднее. Желтый цвет сделает зеленый оттенок более теплым, а красный цвет приглушит яркую зелень.

Ошибка №7. Нежелание учиться смешивать собственные зеленые оттенки

Похоже на разобранную выше Ошибку №6, но речь немного о другом.

Когда вы смешиваете зеленые оттенки, то будете получать разные вариации в зависимости от используемых голубых и желтых цветов, а также их пропорций в смесях.

Но! Зеленые, полученные путем смешивания только синих и желтых оттенков, как правило, слишком яркие по сравнению с реальными цветами в пейзаже.

Каждое зеленое растение или объект имеет несколько иной оттенок – насыщеннее, теплее, холоднее или даже тускнее чем тот, что вы получили.

Некоторые оттенки, расцененные нами как зеленые, вообще оказываются синими или очень тусклыми желтыми, местами встречается и серый цвет.

Смешивая зеленые оттенки из синих и желтых, добавляйте туда оранжевые или красные, посмотрите как они приглушают зелень.

Обратите внимание на то, что зеленые оттенки в пейзаже меняются в зависимости от времени суток, цвета света и времени года. То, что утром кажется вам сине-зеленым, вечером может быть окрашено в желто-зеленый цвет. Зеленые оттенки более насыщенны весной и тусклые осенью, во время листопада они более оранжевые.

---

Как получить красивые оттенки зеленого цвета?

---

Ошибка №8. Экономный расход краски

Это трудноискоренимая привычка – использовать малое количество краски, экономить.

Ничто так не говорит о непрофессиональности художника как неуверенные, боязливые, скупые мазки.

Смешайте в два раза больше краски чем вам нужно и используйте ее. В конечном итоге у вас может остаться лишняя краска, но это не так страшно.

Будет хорошо, если вы начнете работу над картиной с тонких слоев, но по мере заверешения ваши мазки должны быть более густыми, решительными, уверенными. Оставьте их такими, не трогайте.

Не возвращайтесь назад и не пытайтесь переделать уже наложенные мазки. Придите к согласию с собой, чтобы оставить их как есть, даже если вам трудно на это решиться.

Иногда краска, нанесенная на холст, выглядит иначе чем на палитре и не соответствует вашим ожиданиям. Не исправляйте сразу же. Поработайте над другой областью и подождите. Когда вы снова вернетесь к этому участку, то уже успокоитесь и посмотрите более “свежим” взглядом. Примите решение – стоит ли повозиться с этим участком еще немного или он хорошо смотрится и так?

Ошибка №9. Рисовать то, что знаешь, а не то, что видишь

Это типичная ошибка как совсем новичков в рисовании, так и тех, кто уже занимается какое-то время.

Например, мы знаем, что дом белого цвета, и рисуем его белым.

Мы знаем, что цветок пурпурный, и рисуем его пурпурным.

Часто мы принимаем за реальный цвет объекта тот цвет, что видим когда мы смотрим на него близко и под прямым источником света.

Это же касается и форм. Мы знаем, что сосна треугольная, а тарелка круглая, и рисуем их в соответствии с заложенными общими образами, даже не пытаясь наблюдать, анализировать, сравнивать.

Прищурьте глаза и посмотрите на объект. Обратите пристальное внимание на форму, негативное пространство, структуру. Что темнее? Что легче? Задавайте себе такие и похожие вопросы.

Белый цвет в тени темнее чем черный на свету.

Мой мозг не принимает это утверждение автоматически, но если я прищурюсь и начну пристально вглядываться в объекты, то смогу удостовериться в том, что это верно.

Ошибка №10. Использовать неверный цвет в работе, чтобы не выбрасывать оставшуюся краску 

Краски стоят дорого. Поэтому когда на палитре скапливается большое количество неиспользованной краски, то одна мысль о том, чтобы ее выбросить вызывает боль. Мы начинаем искать варианты куда бы ее пристроить, не так ли?

Но когда мы начинаем смешивать оставшийся большой кусок смеси тускло зеленого цвета с чем-то другим, то на выходе получаем что-то не менее тусклое или даже серое.

Прекратите пытаться исправить залежавшуюся смесь. Начните сначала. Не используйте неправильный цвет в работе. Или найдите ему иное применение – в качестве “серого” или добавляя по чуть-чуть, чтобы нейтрализовать другие яркие цвета.

Используя в своей работе неподходящие цвета лишь в целях экономии, чтобы они не пропадали впустую, вы рискуете конечным результатом и впечатлением от вашей живописи.

---

Как смешать нужный оттенок в живописи?

---

Ошибка №11. Рисовать только жесткие границы

Когда я только начала рисовать, я и понятия не имела, что бывают жесткие, мягкие и даже исчезающие границы, края. Большинство границ моих объектов были жесткими. Иногда я случайно делала мягкие края там, где нужно, пытаясь повторить то, что видела в реальности. Позже я узнала, что есть несколько правил когда применять тот или иной вид краев.

Итак, что такое мягкий край? Он проявляется когда вы объединяете цвета вместе, вливая один в другой. Жесткий край проявляется когда цвета не смешиваются и это подчеркивается формой объекта.

Общая рекомендация такова – используйте жесткие края для объектов в центре картины, а мягкие – для вторичных объектов и на заднем плане.

---

Акварель для начинающих: прием “четкий край” ВИДЕО

---

Ошибка №12. Работать над картиной кистями неподходящих размеров

Кисти бывают разной ширины и диаметра. Кисти маленьких размеров используются только для прорисовки деталей, они понадобятся вам в самом конце работы. Не поддавайтесь желанию взяться за них слишком рано, это приведет к тому, что ваша картина будет перенасыщена деталями.

Мне нравится начинать работать с кисточками больших размеров, ими я рисую основные формы. Затем я перехожу на кисти средних размеров для более мелких объектов. В конце берусь за маленькие кисточки, заканчиваю работу над деталями картины.

Как определить размер самой большой кисти, нужной вам для работы? Это зависит от размера ващей будущей картины. Например, если я рисую на формате 15 х 15 см, то начинаю с кисти 2,5см, постепенно меняя кисточки на более мелкие.

Чем больше размер вашей заготовки, тем большего размера кисть вам нужна. Для больших полотен 76 х 102 см я использую в начале флейцевые кисти 5 или 7 см (их можно найти и в строительных магазинах). В процессе работы я заменяю их на художественные кисти более мелких размеров.

При помощи больших кисточек вы наносите сразу больше краски. Но это не единственная причина, по которой вам стоит начинать работу с них. Они  объединяют ваши мазки, позволяют им выглядеть цельно.

Когда нужно переходить на кисти более мелких размеров? Как можно позже. Работайте с большими кисточками ровно столько, сколько сможете, прежде чем заменить их.

---

Китайские кисти для акварели вместо традиционной белки и колонка!

---

Ошибка №13. Беспокоиться из-за результатов

Доверяйте своим инстинктам и верьте в себя!

Страх – одна из самых коварных опасностей, поджидающая начинающих живописцев. Ученики боятся сравнения с другими более талантливыми учениками. Начинающие художники боятся как оценят их творчество более опытные живописцы. И каждый боится критики и негативных отзывов зрителей.

Страх пораждает неуверенность в себе. Для художника подобные метания и сомнения в принятых решениях особенно опасны – они обязательно отразятся на картине.

Иногда это даже не страх, что ваша работа кому-то не понравится, а страх перед тем, что напрасно тратите дорогие художественные материалы (прочитайте еще раз ошибки №8 и №10).

Откиньте все сомнения и опасения, доверяйте своим инстинктам, верьте в себя!

Следуйте за своей творческой звездой и наслаждайтесь процессом!

Перевод с источника Творческая Мастерская с Мариной Трушниковой

Напишите в комментариях, в каком из пунктов вы узнали себя? Делитесь статьей, если она стала вам полезной!

---