Типичные ошибки при рисовании

На ошибках учатся! Помните эту фразу? Конечно же, это абсолютная правда. Только так и можно чему-то научиться. Однако, знать начинающему художнику о тех ошибках, которые часто допускают  его товарищи очень важно и полезно. Это позволит ему не наступать на те же «грабли» и гораздо быстрее продвинуться вперед в плане профессионализма.

Читайте также:

• Как выбрать этюдник
• Жесткость карандашей. Как выбрать карандаши

Пообщавшись со знакомыми художниками и учителями на эту тему, получилась статья, из которой вы узнаете ТОП-10 самых распространенных ошибок начинающих художников. Берите на вооружение и старайтесь их не допускать. Тогда вы будете рисовать гораздо лучше. В конце статьи мы затронем тему художественной школы — нужна ли она новичку? Что ж, устраивайтесь поудобнее, начнем! 

Первая пятерка частых ошибок, связанных с психологическим подходом к живописи

1. Увлечение или сосредоточенность на одной частной детали

Упоминания об этой ошибке встречаются во многих художественных учебниках. Что это за ошибка? Это когда художник прорисовывает только мелкую и незначительную часть детали, не видя картину в целом. Возможно, вы замечали, как некоторые начинают рисовать портрет, например, с глаз. В эту деталь художник вкладывает столько сил и энергии, что продолжать рисование отпадает всякое желание.

Кстати, такой подход не верен в корне: рисовать нужно на всём полотне целиком, на уровне «ощущений», последовательно придавая четкость всем участкам картины. В противном случае вы вряд ли сможете соблюсти единую контрастность на всей картине, особенно если картина большая.

И самое обидное здесь то, что художнику придется все это стирать, потому что начинать следовало с самого основного — построения каркаса фигуры головы. Всегда начинайте рисунок с общего построения!

Кстати, такая же закономерность постоянно встречается в нашей жизни. Смотрите, профессионал своего дела, неважно какого, видит и влияет на ситуацию в целом, а начинающий часто сосредотачивается на мелочах, не замечая первостепенного. 

Не ограничивайте себя всевозможными стандартами и правилами. Если вы обучаетесь дома, попробуйте начать рисовать углем и резинкой. Если хотите карандашом — возьмите самый мягкий карандаш, чтобы быстро заштриховывать плоскости.

2. Спешка

Каждый художник хочет творить и создавать шикарные произведения. Но как же мало тех, кто готов затрачивать на это кучу времени! В итоге качество картины оставляет желать лучшего, хотя художник мог бы сделать лучше. Поэтому даже если вы раньше не рисовали и хотите наверстать упущенное, знайте, спешка ни к чему хорошему не приведет.

3. Рисование по воображению или по памяти

Как-то раз меня попросили нарисовать двух деловых людей, жмущих друг другу руки. Вроде бы простая вещь — рукопожатие. Эту картину мы видим повсюду, но по памяти изобразить его у меня не получилось до тех пор, пока я не нашел натуру.

Вы можете знать нюансы и правила построения сложных и простых тел, но, не изучив принципы рисования какого-то конкретного объекта, у вас не получится нарисовать его со знанием дела. Очень мало таких людей, которые идеально рисуют по памяти. Даже самые именитые мастера живописи рисуют с натуры.

Вы должны видеть натуру или фотографию, а не просто взглянуть на неё разок.

4. Бросание работы на полпути

Картина, в которой созерцается некая загадка, недосказанность или неопределенность вызывает восхищение и интерес. Но ничего подобного не выйдет с картиной, которую бросили и не доделали.

Да, довести картину до конца начинающему живописцу непросто. Я бы порекомендовал на начальном этапе писать больше этюдов. Это позволит быстрее расписаться, получить больше вдохновения и удовольствия от живописи, а также избавиться от неуверенности.

5. Бледная и слабая контрастность изображения

Опять же все это из-за неуверенности в своих силах. Со временем это пройдет. Обязательно! В первом пункте мы выяснили, что на первых порах лучше рисовать мягким карандашом. Просто сознательно усиливайте нажим.

Вторая пятерка частых ошибок, связанных непосредственно с рисунком

6. Отсутствие фона

Конечно, прорабатывать фон нужно не в каждом произведении. И все же, если в вашей картине присутствует фон, это значит, в ней есть задний и передний план, что хоть как-то намекает на пространство.

7. Бумага плохого качества

Обыкновенная писчая бумага (общая тетрадь или «Снегурочка») — не лучший холст для живописи. Для линейных набросков — это, пожалуйста. Но она никак не подходит для настоящего произведения, потому как реагирует на нажим такая бумага плохо, что значительно затрудняет проработку светотени.

На том же чертежном листе ваш рисунок будет смотреться гораздо красочнее и лучше, нежели на бумаге для ксерокса и тем более обычной тетради.

8. Отсутствие штриха и растушевка изображений

За штрих можно сказать одно — это одно из самых выразительных средств, поэтому грех его не использовать.

На счет растушевки — те, кто видел, знают. Растушевывая изображение, бумага начинает забиваться, в итоге — каша невнятного цвета. Гораздо лучше работать по принципу лессировки либо просто класть цвета и штрихи рядом друг с другом. Все равно картина воспринимается человеком в целом.

9. Малый формат

Например, вы захотели нарисовать девушку, взирающую вдаль грустным взглядом, да еще и с башни огромного замка. Такое произведение естественно будет лучше всего смотреться на ватмане, нежели на листочке с блокнотика. На большом формате вы гораздо лучше и легче передадите нюанс. Это как в просмотре кинофильма. Что лучше, смотреть его на большом, широком HD-Fullдисплее, либо на маленьком экране сотового телефона.

10. Активные линии

Еще одна распространенная проблема. Многие целеустремленные начинающие художники обводят некоторые участки изображения контуром. Например, молодая симпатичная барышня из-за прорисовки мимических морщин активными линиями превращается в бабушку. А ведь передать эту деталь стоило бы с помощью светотени.

Обучение в школе или в гордом одиночестве?

В заключение хочется затронуть тему пользы художественной школы (курсов). Сейчас мало кто ходит в специализированную школу, так как в интернете есть много видео уроков и литературы для самостоятельного обучения. И все-таки обучение у учителя имеет массу преимуществ: 

• дисциплина;
• больше практики;
• больше живого общения с профессионалом;
• больше художественных средств и инструментов;
• возможность указать на ваши ошибки и вовремя их исправить;
• учиться с сокурсниками и делиться с ними своими достижениями гораздо веселее и приятнее.

Я считаю, что в школе стоит получить необходимую базу, а уже после неё смело развиваться в своей стезе самостоятельно.

А вы как считаете?

Error get alias

Ошибки начинающих художников. Как их избежать?

Перевод статьи Robie Benve “13 Beginner Painting Mistakes You Want to Avoid” 

Было ли с вами такое – вы пришли на выставку и вдруг поняли, что вокруг работы одних новичков? Как их распознать? Какие ошибки начинающих художников свойственны любительской живописи?

Многие начинающие художники делают одни и те же ошибки. Их легко могут заметить как профессиональные художники, так и обычные зрители.

Ниже приведен список самых распространенных ошибок новичков. Он поможет вам их избегать, а ваши работы перестанут выглядеть посредственнымы и скучными.

ОШИБКИ НАЧИНАЮЩИХ ХУДОЖНИКОВ

Ошибка №1. Рисовать все, что видите

Не пытайтесь быть фотоаапаратом. Вы создаете картины, в них – ваше собственное видение мира, изображаемых объектов.

Вы не обязаны рисовать каждую деталь лишь потому, что она есть в реальности.

Будьте избирательными – включайте только те элементы, которые подчеркнут каждый конкретный сюжет. Фотография – ваш помощник. На ней есть все необходимые элементы, но какие из них включать – решаете только вы.

Кроме того, когда вы пытаетесь достичь фотореализма в своих работах, даже маленькие незначительные ошибки в несоблюдении размеров, углов наклона и тому подобные, будут очень заметны зрителю.

---

Читать в контексте: Линия горизонта, как правильно найти ее место в картине?

---

Ошибка №2. Быть заложником сюжета

Не обязательно рисовать объекты в том месте, где они находятся на самом деле. Вы можете менять их местоположение, если это усилит композицию картины. Это верно для любого жанра, в том числе и для пейзажа.

Можете совмещать элементы с разных фотографий. В этом случае важно помнить про то, где находится источник освещения.

Если вы рисуете узнаваемое место, передвигать объекты в рамках картины может быть проблематично. Вместо этого можно сдвинуть вторичные или переменные элементы или вовсе от них отказаться.  К таким элементам относятся фигуры людей, зонты, мебель, цветы и т.д.

Ваша основная задача – передать сюжет, ухватив его суть, и подобрать для этого лучшую композицию из возможных.

Ошибка №3. Размещать главные элементы в центре картины

Не размещайте главный элемент картины строго в центре, иначе взгляд зрителя будет прикован только к нему.

По этой причине избегайте и размещения по центру основных линий, таких как край стола, ствол дерева. Они как будто разрезают картину пополам вертикально или горизонтально.

---

• Как найти свой стиль рисования? Практическое руководство.
• Как правильно составить натюрморт

---

Ошибка №4. Рисовать похожие или равноудаленные объекты

Есть одно простое композиционное правило – расстояние между объектами должно быть разным. Это значит, что вы должны применить разнообразие ко всем элементам картины, чтобы привлечь внимание зрителя и заставить его взгляд блуждать по ней.

Если вы работаете над пейзажем – меняйте форму и размер ваших деревьев, смешивайте разные оттенки зеленого, обратите внимание на расстояния между объектами. Избегайте однотипных рядов деревьев или кустарников одного размера.

Даже если вы рисуете такой упорядоченный, с заданной формой, объект как забор, добавьте немного разнообразия – сделайте местами шире зазоры, наклоните пару досок, а то и вовсе пропустите одну.

Великолепная работа Винсента Ван Гога “Ирисы”. Густые мазки краски, чуть размытый фон, продуманные линии, прекрасная композиция и размещение центра картины.

---

Как развить идеальный глазомер?

---

Ошибка №5. Одинаковое количество деталей на переднем и заднем планах

Эта ошибка особенно часто встречается у тех, кто рисует не с натуры, а по фотографиям.

На фотографиях сохраняется огромное количество деталей и почти все они в фокусе. Вы можете ясно разглядеть и травинку на переднем плане, и ветку дерева вдали.

Однако наши глаза видят по-другому. Если мы сосредоточим взгляд на одной области, все остальное будет размыто.

Решите где будет центр вашей работы, нарисуйте его более подробно.

Не детализируйте все области картины одинаково. Как правило, в фоне очень мало деталей, их количество постепенно увеличивается к переднему плану и композиционному центру картины.

---

• Как выбрать удачный фон для своей картины?
• Как создать гармоничную композицию картины?

---

Ошибка №6. Использовать готовые зеленые оттенки

Поражает разнообразие и насыщенность зеленых оттенков, встречающихся в природе. Их невозможно подобрать, используя лишь краску из готовых заводских тюбиков и кювет, сколько бы их у вас ни было.

Основное преимущество покупки зеленых оттенков – они всегда у вас под рукой. Однако вы добьетесь куда больших успехов, смешивая готовые цвета с другими, чтобы добиться желаемых оттенков.

“Они будут продавать вам тысячи оттенков зеленого цвета. Veronese green, изумрудный, кадмий зеленый, и любой зеленый, который вы только пожелаете, но нужный – никогда.” – Пабло Пикассо

Яркие и похожие друг на друга оттенки зелени присутствуют в работах многих начинающих художников. Вы сразу заметите, что они используют готовые зеленые краски.

Чтобы избежать подобной ошибки, смешивайте свои оттенки зеленого, добавляя разные цвета. Добавив синий к зеленому, вы сделаете его холоднее. Желтый цвет сделает зеленый оттенок более теплым, а красный цвет приглушит яркую зелень.

Ошибка №7. Нежелание учиться смешивать собственные зеленые оттенки

Похоже на разобранную выше Ошибку №6, но речь немного о другом.

Когда вы смешиваете зеленые оттенки, то будете получать разные вариации в зависимости от используемых голубых и желтых цветов, а также их пропорций в смесях.

Но! Зеленые, полученные путем смешивания только синих и желтых оттенков, как правило, слишком яркие по сравнению с реальными цветами в пейзаже.

Каждое зеленое растение или объект имеет несколько иной оттенок – насыщеннее, теплее, холоднее или даже тускнее чем тот, что вы получили.

Некоторые оттенки, расцененные нами как зеленые, вообще оказываются синими или очень тусклыми желтыми, местами встречается и серый цвет.

Смешивая зеленые оттенки из синих и желтых, добавляйте туда оранжевые или красные, посмотрите как они приглушают зелень.

Обратите внимание на то, что зеленые оттенки в пейзаже меняются в зависимости от времени суток, цвета света и времени года. То, что утром кажется вам сине-зеленым, вечером может быть окрашено в желто-зеленый цвет. Зеленые оттенки более насыщенны весной и тусклые осенью, во время листопада они более оранжевые.

---

Как получить красивые оттенки зеленого цвета?

---

Ошибка №8. Экономный расход краски

Это трудноискоренимая привычка – использовать малое количество краски, экономить.

Ничто так не говорит о непрофессиональности художника как неуверенные, боязливые, скупые мазки.

Смешайте в два раза больше краски чем вам нужно и используйте ее. В конечном итоге у вас может остаться лишняя краска, но это не так страшно.

Будет хорошо, если вы начнете работу над картиной с тонких слоев, но по мере заверешения ваши мазки должны быть более густыми, решительными, уверенными. Оставьте их такими, не трогайте.

Не возвращайтесь назад и не пытайтесь переделать уже наложенные мазки. Придите к согласию с собой, чтобы оставить их как есть, даже если вам трудно на это решиться.

Иногда краска, нанесенная на холст, выглядит иначе чем на палитре и не соответствует вашим ожиданиям. Не исправляйте сразу же. Поработайте над другой областью и подождите. Когда вы снова вернетесь к этому участку, то уже успокоитесь и посмотрите более “свежим” взглядом. Примите решение – стоит ли повозиться с этим участком еще немного или он хорошо смотрится и так?

Ошибка №9. Рисовать то, что знаешь, а не то, что видишь

Это типичная ошибка как совсем новичков в рисовании, так и тех, кто уже занимается какое-то время.

Например, мы знаем, что дом белого цвета, и рисуем его белым.

Мы знаем, что цветок пурпурный, и рисуем его пурпурным.

Часто мы принимаем за реальный цвет объекта тот цвет, что видим когда мы смотрим на него близко и под прямым источником света.

Это же касается и форм. Мы знаем, что сосна треугольная, а тарелка круглая, и рисуем их в соответствии с заложенными общими образами, даже не пытаясь наблюдать, анализировать, сравнивать.

Прищурьте глаза и посмотрите на объект. Обратите пристальное внимание на форму, негативное пространство, структуру. Что темнее? Что легче? Задавайте себе такие и похожие вопросы.

Белый цвет в тени темнее чем черный на свету.

Мой мозг не принимает это утверждение автоматически, но если я прищурюсь и начну пристально вглядываться в объекты, то смогу удостовериться в том, что это верно.

Ошибка №10. Использовать неверный цвет в работе, чтобы не выбрасывать оставшуюся краску 

Краски стоят дорого. Поэтому когда на палитре скапливается большое количество неиспользованной краски, то одна мысль о том, чтобы ее выбросить вызывает боль. Мы начинаем искать варианты куда бы ее пристроить, не так ли?

Но когда мы начинаем смешивать оставшийся большой кусок смеси тускло зеленого цвета с чем-то другим, то на выходе получаем что-то не менее тусклое или даже серое.

Прекратите пытаться исправить залежавшуюся смесь. Начните сначала. Не используйте неправильный цвет в работе. Или найдите ему иное применение – в качестве “серого” или добавляя по чуть-чуть, чтобы нейтрализовать другие яркие цвета.

Используя в своей работе неподходящие цвета лишь в целях экономии, чтобы они не пропадали впустую, вы рискуете конечным результатом и впечатлением от вашей живописи.

---

Как смешать нужный оттенок в живописи?

---

Ошибка №11. Рисовать только жесткие границы

Когда я только начала рисовать, я и понятия не имела, что бывают жесткие, мягкие и даже исчезающие границы, края. Большинство границ моих объектов были жесткими. Иногда я случайно делала мягкие края там, где нужно, пытаясь повторить то, что видела в реальности. Позже я узнала, что есть несколько правил когда применять тот или иной вид краев.

Итак, что такое мягкий край? Он проявляется когда вы объединяете цвета вместе, вливая один в другой. Жесткий край проявляется когда цвета не смешиваются и это подчеркивается формой объекта.

Общая рекомендация такова – используйте жесткие края для объектов в центре картины, а мягкие – для вторичных объектов и на заднем плане.

---

Акварель для начинающих: прием “четкий край” ВИДЕО

---

Ошибка №12. Работать над картиной кистями неподходящих размеров

Кисти бывают разной ширины и диаметра. Кисти маленьких размеров используются только для прорисовки деталей, они понадобятся вам в самом конце работы. Не поддавайтесь желанию взяться за них слишком рано, это приведет к тому, что ваша картина будет перенасыщена деталями.

Мне нравится начинать работать с кисточками больших размеров, ими я рисую основные формы. Затем я перехожу на кисти средних размеров для более мелких объектов. В конце берусь за маленькие кисточки, заканчиваю работу над деталями картины.

Как определить размер самой большой кисти, нужной вам для работы? Это зависит от размера ващей будущей картины. Например, если я рисую на формате 15 х 15 см, то начинаю с кисти 2,5см, постепенно меняя кисточки на более мелкие.

Чем больше размер вашей заготовки, тем большего размера кисть вам нужна. Для больших полотен 76 х 102 см я использую в начале флейцевые кисти 5 или 7 см (их можно найти и в строительных магазинах). В процессе работы я заменяю их на художественные кисти более мелких размеров.

При помощи больших кисточек вы наносите сразу больше краски. Но это не единственная причина, по которой вам стоит начинать работу с них. Они  объединяют ваши мазки, позволяют им выглядеть цельно.

Когда нужно переходить на кисти более мелких размеров? Как можно позже. Работайте с большими кисточками ровно столько, сколько сможете, прежде чем заменить их.

---

Китайские кисти для акварели вместо традиционной белки и колонка!

---

Ошибка №13. Беспокоиться из-за результатов

Доверяйте своим инстинктам и верьте в себя!

Страх – одна из самых коварных опасностей, поджидающая начинающих живописцев. Ученики боятся сравнения с другими более талантливыми учениками. Начинающие художники боятся как оценят их творчество более опытные живописцы. И каждый боится критики и негативных отзывов зрителей.

Страх пораждает неуверенность в себе. Для художника подобные метания и сомнения в принятых решениях особенно опасны – они обязательно отразятся на картине.

Иногда это даже не страх, что ваша работа кому-то не понравится, а страх перед тем, что напрасно тратите дорогие художественные материалы (прочитайте еще раз ошибки №8 и №10).

Откиньте все сомнения и опасения, доверяйте своим инстинктам, верьте в себя!

Следуйте за своей творческой звездой и наслаждайтесь процессом!

Перевод с источника Творческая Мастерская с Мариной Трушниковой

Напишите в комментариях, в каком из пунктов вы узнали себя? Делитесь статьей, если она стала вам полезной!

---

Вы решили стать хорошим художником. Много практикуетесь, читаете учебные материалы, смотрите видеоролики, анализируете чужие работы… но совершенно не замечаете прогресса. Усердная работа не приносит желаемого развития. «Может быть, это просто не для меня», – подумаете вы. – «Возможно, я зря трачу свое время». Однако, я уверена, что этому может быть другое объяснение. Вполне возможно, что вы просто неправильно планируете учебный процесс. Ошибочные выводы, непродуктивная практика… Стоит только избавиться от этого, как все изменится, и вы начнете видеть прогресс. Давайте подробнее рассмотрим ошибки начинающих художников и способы борьбы с ними.

1. Завышенные ожидания

Всякий раз, когда мы чего-то хотим, наши желания основаны на представлении того удовлетворения, которое мы почувствуем, когда получим желаемое. Созерцая великолепное произведение искусства, мы думаем, как было бы прекрасно нарисовать что-то подобное. Именно с этого чувства и начинается процесс обучения рисованию.

Но проблема в том, что вы не сможете удовлетворить возникшее желание здесь и сейчас. У вас не получится за одну ночь достичь уровня великих художников, которые годами учились этому искусству. И что же мы получим в итоге? Плохой рисунок – доказательство недостаточно развитых навыков. По сути, каракули ребенка.

Из-за этого каждая попытка нарисовать что-то красивое приводит к неизбежному разочарованию. Вы ожидаете одни эмоции, а на деле получаете совсем другие. При этом вы можете прекрасно понимать, что на учебу требуется время, но это не мешает вам чувствовать себя неудачником.

Зачем вообще рисовать, если я не могу нарисовать что-то красиво

Меня всегда удивляло, почему от рисования ждут немедленных результатов. Впервые сев за пианино, вы не думаете, что сразу будете играть, как Моцарт. И впервые сидя за рулем автомобиля, вряд ли кто-то мечтает с первого же раза выиграть гонку. Да и в отношении кулинарии мы не ждем ресторанного уровня, когда готовим блюдо впервые.

Во всех этих случаях ожидание неудачи естественно. Для вас это не имеет значение, потому что вы заранее настроились. Более того, ошибки начинающих художников часто становятся поводом для шуток и хорошего настроения! Однако, это не работает с первым рисунком. Вам кажется, как будто все ждут от вас феноменальных результатов с первой же попытки. Как будто раньше вы уже умели рисовать, но вам только сейчас позволили этим заняться.

Смотри, он не умеет рисовать. Зачем этот неудачник вообще взял в руки карандаш?

Умение рисовать – это такой же навык, как и все остальные. Вы не знаете, что и как делать, поэтому первые попытки чаще всего будут неудачными. Вторая попытка не намного отличается от первой, потому что вы все еще расстроены после первого «поражения». С каждой новой пробой ваш рисунок становится чуть-чуть лучше, но вы по-прежнему будете выглядеть как ребенок по сравнению с кем-то более опытным. И это норма!

Желание быть лучшим и чувствовать удовлетворение от создания идеальной работы делают вас нетерпеливым. Вы хотите добраться до места назначения не путешествуя. И чем медленнее кажется путешествие, тем хуже вы себя чувствуете, потому что это не то, чего вы ожидали!

Я хочу быть там, но не хочу туда идти!

Чтобы стать хорошим художником, для начала нужно понизить свои ожидания. Мыслите продуктивно, уделяя меньше внимания вашим желаниям (цели) и больше самому процессу (пути). Я научу вас упражнению, которое поможет обнаружить завышенные ожидания и заменить их на более продуктивные мысли.

Напишите список своих ожиданий от рисования. Запишите все, даже если они звучат нелепо. Дальше мы их проанализируем! Например:

• Каждый следующий рисунок должен быть лучше предыдущего;
• Плохие рисунки бесполезны;
• Когда я плохо рисую, это значит, что я неудачник;
• Я должен хорошо рисовать;
• Я должен быстро учиться.

Просмотрите все пункты в списке. Вы уверены, что они относятся к вам? А вдруг это не так и вы ошиблись? Давайте проанализируем каждое утверждение по отдельности.

Каждый следующий рисунок должен быть лучше предыдущего. Я не учусь линейно и равномерно, как компьютер. Иногда я практикуюсь в одной теме, а иногда в другой. Я много экспериментирую, поэтому иногда результат получается лучше, а иногда – хуже. Кроме того, я могу забыть изученное и снова повторить старую ошибку. И это нормально, потому что я человек, а не машина.

Плохие рисунки бесполезны. Плохие рисунки являются стандартным побочным продуктом обучения. Я не стану лучше, если сначала не буду хуже. Плохие рисунки также позволят получить ценный опыт и не совершать ошибки в будущем. Не совершив ошибку, я не узнаю, в чем я плох.

Когда я плохо рисую, это значит, что я неудачник. Когда я плохо рисую, это означает, что я просто не умею рисовать (многие люди настолько боятся этого факта, что даже не пытаются рисовать!). Каждый из нас в чем-то плох, но это не значит, что все мы неудачники! Я работаю, чтобы стать лучше, и это то, чем можно гордиться.

Я должен хорошо рисовать. Никто не обязан быть хорошим в чем-то. Я хочу рисовать красивые вещи, но ни один из художников не давал обещание рисовать исключительно красивые и приятные работы. Если кто-то считает иначе, это их проблема, а не моя.

Я должен быстро учиться. Каждый по-своему склонен к обучению. Если я учусь медленно, это не значит, что я ленив или недостаточно хорош. Это мой личный ритм и неправильно сравнивать его с чужим, потому что мы все разные.

Разве теперь эти пункты не звучат лучше? И мы не пытаемся исказить реальность, чтобы чувствовать себя уверенно. Реальность именно такая, какой вы себе ее представляете. Если постоянно повторять себе, что я неудачник и мне никогда не стать талантливым художником, то так оно и будет.

Возможно, вам кажется, что, не имея завышенных ожиданий, вы будете недостаточно мотивированы и станете меньше заставлять себя работать. Может быть, это правда. Но зачем тогда работать, если вы постоянно себя заставляете и это делает вас несчастным? Меньше давите на себя, и вы сразу начнете получать удовольствие от процесса рисования. Не от результата, а именно от процесса! Возможно, вы никогда не достигнете цели, но сможете насладиться процессом здесь и сейчас. А это, пожалуй, куда лучше, чем рисовать только ради того, чтобы стать хорошим художником и получить признание.

Учиться можно бесконечно, поэтому расслабьтесь и получайте удовольствие от процесса

2. Нежелание учиться

До сих пор многие верят в миф о таланте, без которого невозможны любые начинания. Некоторые считают, что известные художники извлекают все исключительно из своего воображения, без каких-либо подручных средств. Они никогда не используют референсы, никогда не проходят уроки, потому что тогда – внимание! – воспользуются чужими наработками. Это ведь обман! Такое мнение усложняет жизнь многим начинающим художникам.

Если вы считаете, что искусство создано только для получения похвалы, то дело приобретает серьезный оборот. Представьте, что вы восхищаетесь чье-то работой, а потом узнаете, что ее кто-то перерисовал. Получается, кто-то бесплатно получил ваше восхищение за навыки, которыми не обладает. Вот грязный мошенник…

Основываясь на таком мышлении, можно сформировать шкалу:

1. Рисунок, созданный из воображения, быстро и без лишней суеты.
2. Рисунок, созданный из воображения, но с определенными усилиями.
3. Рисунок, созданный по референсам.
4. Рисунок, созданный по уроку.
5. Перерисованный рисунок с фото/картины.

Конечно, данная шкала не предполагает качество рисунка. Данные пункты можно назвать уровнями сложности в рисовании. Легко быть успешным на самом последнем уровне, а отсутствие успеха можно оправдать, если вы находитесь на первом.

Да, я могу и лучше, просто не хотел облегчать себе задачу

Рисование по референсам, конечно, гораздо проще. Можно супер реалистично скопировать увиденное, даже не задумываясь о содержании. Рисуя из воображения, вам приходится самому представлять естественную позу, перспективу, правильную анатомию, детали, светотени… Естественно, такой подход к рисованию заслуживает большего признания.

Но за этим признанием стоят тысячи часов практики. Талантливые художники не родились со знанием «естественной позы, перспективы, правильной анатомии, деталей и светотени». Они годами нарабатывали эти знания, а использование референсов – наиболее быстрый и практичный способ.

Крайне непродуктивно продолжать рисовать одно и то же снова и снова, ожидая, что ошибки начинающих художников больше не будут преградой на пути к вашей цели. Найдите изображение того, что пытаетесь нарисовать, и сравните со своим рисунком, чтобы выявить ошибки. Это не похоже на использование шпаргалки во время экзамена, это больше похоже на использование учебника в процессе учебы!

Если вы пытаетесь нарисовать то, что никогда не рисовали, и надеетесь, что результат будет такой же красивый, как работы опытных художников, значит вы слишком высокомерны. Им пришлось учиться, а вы хотите стать крутым без обучения, потому что считаете, что учеба – это обман.

Зачем мне смотреть на собаку? Я и так должен знать, как она выглядит, иначе я не настоящий художник.

Рисунки, нарисованные из воображения, появляются не изнутри, а снаружи, только в прошлом. Десятки тысяч референсов хранятся у нас в голове – в памяти.

Умение рисовать – это такой же навык, как и все остальные. Он не возникает ниоткуда развитым на 100%. У вас не получается нарисовать кошку с правильными пропорциями? Проанализируйте фото этих животных, чтобы выявить основные черты. Все в вашем рисунке прекрасно, кроме головы? Найдите похожие снимки и выясните, что не так с рисунком. Со временем в вашей памяти соберется достаточное количество референсов и необходимость в них естественным образом отпадет. Отказ от референсов это как выбросить старую тетрадь с конспектами, потому что вы запомнили все их содержимое.

3. Отсутствие плана

Это еще одна проблема, возникающая непосредственно из-за мифа в талант и врожденные навыки. Вы учитесь рисовать… рисуя. Рисуя много и часто. Вы креативный человек и каждый раз пытаетесь создать что-то новое. Вам кажется, что чем больше усилий вложено в работу, тем круче будет результат.

Однако, так не работает. С таким подходом вы будете развиваться очень медленно. Другие люди продолжают улучшать свои навыки, а вы топчитесь на месте. Что же с вами не так?

Повторюсь, рисование – это навык, который вы развиваете. Он не скрыт внутри в ожидании, когда ему позволят проявить себя. Точно так же в людях не скрыта способность виртуозно играть «Лунную сонату». Не получится бездумно тыкать по клавишам, ожидая услышать музыку. Точно так же нельзя каждый раз рисовать случайные вещи и надеяться, что это приблизит вас к мечте стать профессиональным художником.

Если вы рисуете исключительно для публикации в сети и привлечения внимания, то вы прилагаете слишком много усилий для создания качественного рисунка, а не учебы. Ваша цель – стать профессиональным художником, правильно? Но этого не достичь, не нарисовав много неудачных эскизов. Пусть они будут корявые и некрасивые, их все равно никто не увидит.

При любом обучении вы должны думать и планировать. Не рисуйте хаотично, пытаясь в процессе развить свой навык. Решите, чему вы хотите научиться, и узнайте, как это изучить. После этого… учитесь. Рисуйте много, но целенаправленно. Анализируйте свои действия, а не просто наблюдайте за процессом. Найдите в Интернете и запомните полезные правила и секреты от известных мастеров, которые позже вам пригодятся. Протестируйте их на деле и при необходимости подкорректируйте.

Хаос и отсутствие четкого плана – первые враги обучения

Это не значит, что вы сейчас же должны перестать рисовать просто ради своего удовольствия. Просто не стоит каждый рисунок, эскиз или черновые наброски, дорабатывать до состояния публикации. Время от времени рисуйте полностью завершенные работы, которые не стыдно показать. Именно по таким работам вы увидите реальный прогресс.

4. Слишком много планирования

Вы начали серьезно заниматься рисованием. У вас много амбиций и упорства. Вы проходите уроки, тренируетесь в быстрых набросках, смотрите ролики других художников. Кроме того, регулярно читаете мотивационные материалы и смотрите лекции о рисовании. Ни дня не проходит без рисования.

И это отлично, но впереди вас ждет ловушка. Статьи и видео от опытных художников – отличный источник мотивации и опыта. Изучая подобные материалы, вы чувствуете, как ваши навыки пассивно улучшаются. Вы ищите что-то новое: «5 секретов хорошего рисунка», «10 привычек успешного художника», «Совет, который упростит рисование». Это похоже на обучение, но без каких-либо усилий с вашей стороны!

Не поймите меня неправильно, все-таки я тоже написала одну из таких статей. Но когда вы в очередной раз смотрите видео «10 привычек успешного художника», вместо того, чтобы заняться реальным делом, вы крайне непродуктивны. Вы не работаете над достижением своей цели. Создается иллюзия продуктивности, но статьи и видео ничего не стоят, если вы не будете применять полученную информацию на практике.

Сюда же можно отнести постоянный поиск советов, новаторских техник, о которых вы еще не слышали. Вместо того, чтобы просто взять карандаш и научиться рисовать, вы тратите время на поиски блестящей техники, которая позволит получить результат здесь и сейчас. При этом вам тоже кажется, что вы очень продуктивны. Однако, это не так.

Учебники и различные руководства полезны, но относитесь к ним, как к вспомогательным материалам. Не нужно заменять ими реальную практику. Любую, даже самую простую технику, следует отрабатывать на практике, чтобы усвоить. Прочтение толстой книги о рисовании не сделает из вас Айвазовского. Просмотр руководств и статей не исправит ошибки в рисунках.

Только рисование улучшит ваши навыки. И хотя это непродуктивно рисовать без какой-либо подготовки, слишком много подготовки так же плохо. Досмотрите ролик до конца, дочитайте статью. А потом… рисуйте!

5. Сравнение себя с лучшими

Большинство из нас начинает рисовать, вдохновившись работами других художников. Не только старых мастеров. В эпоху цифровых технологий больше не нужно посещать галереи, чтобы увидеть профессиональные картины. Кроме того, сейчас мы можем включить видеоролик с процессом рисования и увидеть, как талантливые художники из простых мазков создают свои шедевры. Это ваша цель и то, кем вы хотите стать.

Наблюдение за творчеством великих художников действительно вдохновляет, но иногда может убить веру в собственные силы. Их уровень кажется таким недостижимым, так зачем беспокоиться? Тем более, что вы и на 5% не нарисуете так же хорошо, как они. Ваши лучшие рисунки выглядят, как детские каракули, по сравнению с их шедеврами. Они могут за 20 секунд набросать из воображения эскиз, который вы не повторите и за 20 часов с референсами.

Да, эти художники, безусловно, кажутся богами искусства. Но они такие же люди, как мы с вами. Вы узнали о них после того, как они прошли свое путешествие и добрались до цели, но вы ничего не знаете о своем путешествии. Поэтому, сравнивая себя с другими художниками, вы, на самом деле, сравниваете свою текущую позицию в путешествии с их местом назначения, и это всегда будет приносить только разочарование.

Каждый художник с чего-то начинал. Каждый рисовал детские каракули, у каждого есть много плохих рисунков и первые удачные работы. И вот, спустя тысячи часов практики и упорного труда, они, наконец, достигают того состояния мастерства, которое вы видите их сейчас. Вы поработали всего 100 часов или даже меньше, а потом спрашиваете почему у вас не получается так же хорошо.

Вы не можете магическим образом телепортироваться в это состояние. Другие художники достигли этого часами упорной работы, и вы тоже должны через это пройти. Не игнорируйте их путь только потому, что не видите его. Не стоит приписывать их способности какому-то мистическому таланту. Это сделает ваше путешествие к цели сложным и лишит мотивации.

Как у него так хорошо получается, это несправедливо!

Вы не знаете, через что они прошли, с какими трудностями им пришлось столкнуться и насколько хороши они были в том или ином возрасте или через определенное количество часов. Ваше путешествие уникально и не имеет ничего общего с чужими. Ваше место назначения может быть таким же, но путь – другой. А попытка догнать кого-то, кто отправился в путешествие раньше вас, только высосет всю энергию и убьет мотивацию.

Единственный здравый и справедливый способ судить о своем прогрессе – сравнить себя… с самим собой. Вы можете понять, насколько продвинулись к цели, сравнивая свое текущее положение с предыдущим, а не сравнивая свое положение с положением того, кем вы восхищаетесь.

Точка, в которой вы находитесь сейчас, когда-то была вашим местом назначения

Не выбрасывайте свои рисунки, даже если они плохие. Оставьте их для сравнения в будущем. Всякий раз, когда вы чувствуете неуверенность в себе, сравните старые и плохие работы с нынешними. Поверьте, вас удивит то, насколько быстро вы принимаете свои новый уровень, как должное!

Не торопитесь, медленно, но уверенно продвигайтесь по своему пути. Нужны тысячи часов, чтобы стать мастером в любом деле. Одни уже прошли свой путь и сделали то, что предстоит вам. Любуйтесь их работами и пусть они будут напоминанием того, во что могут превратиться долгие часы практики. Уже состоявшиеся художники ничем не лучше вас, как и вы их. Они добились всего упорной работой, и вы должны.

6. Постоянная смена инструментов

Понятие «рисование» имеет очень широкое значение. Набор черточек на камне – это рисунок. Контур, сделанный шариковой ручкой, – это рисунок. Реалистичный портрет с тенями и бликами – это рисунок. Цветной пейзаж, нарисованный на графическом планшете в Photoshop, – это рисунок. Кроме того, вы можете объединить разные техники рисования, например, карандаш и акварель и получится тоже рисунок. Вариантов действительно много!

Но каждый вариант предполагает использование определенного набора инструментов. Возможно, вы считаете, что если не добились потрясающего результата с одним инструментом/техникой рисования, то пора переключиться на что-то новое.

Нет ничего плохого в экспериментах и поиске тех техник и инструментов, с которыми вам будет наиболее комфортно работать, но вы должны понимать, что каждый инструмент сперва нужно изучить. Вы не найдете магическую палочку, которая сразу же решит все проблемы. Если у вас не получается нарисовать правильную линию, это не означает, что карандаш слишком грубый или бумага слишком гладкая. Просто ваша рука недостаточно натренирована. И вы не научитесь работать с карандашом, если не посвятите этому достаточно времени.

Не существует идеального инструмента, единственного, который с первого мазка превратит вас в художника. Каждый инструмент и техника требуют практики

Подобные ошибки начинающих художников особенно актуальны среди тех, кто не может позволить себе графический планшет. Вдохновляясь четкими и яркими цифровыми рисунками, они обвиняют традиционные инструменты (карандаши, кисточки) в своих неудачах. Если бы в традиционном рисунке можно было сделать ход назад. Или трансформировать отдельную часть рисунка. Или без следа стереть неудачную линию. Это сделало бы все намного проще!

Но просто не значит лучше. Скрытие своих слабостей не делает вас сильнее. С ними нужно бороться. Изо всех сил пытаетесь провести прямую линию? Работайте над этой проблемой, пока не добьетесь успеха. Не нужно сразу бросаться на поиски инструмента, который упростит работу. Не переключайтесь резко на другой инструмент, после того, как увидели картину, нарисованную им. С помощью и карандаша, и кисточки, и графического планшета можно создавать потрясающие рисунки. Нужно только потратить свое время и овладеть этими инструментами.

7. Нерегулярная практика

Были дни, когда вы регулярно рисовали, проходили уроки, смотрели мотивационные ролики, создавали странички в соц. сетях для публикации своих рисунков. И вдруг вы увидели потрясающую картину, которую, как вам показалось, вы никогда не нарисуете. Затем кто-то пишет неприятный комментарий под вашей работой, и вы окончательно теряете веру в себя.

Затем на какое-то время вообще перестаете рисовать. Страницы в соц. сетях становятся пустыми, а фанаты забывают о вас. И тогда вы снова кем-то или чем-то вдохновляетесь и начинаете работать. Еще усерднее, чем в прошлый раз. Но это ненадолго, потому что ваши навыки остались на прежнем уровне.

А может вам нравится рисовать, но вы просто не можете уделять этому много времени. Сегодня вы что-то нарисовали, прошли урок, неделю попрактиковались… а затем в вашей жизни снова произошло что-то важное. Вы любите рисовать, но у вас попросту нет на это времени. Вам кажется, что это может подождать неделю-две. Но когда вы возвращаетесь, то понимаете, что весь предыдущий прогресс сошел на нет.

Наши мозги неидеальны. Наша память – это не жесткий диск компьютера, куда можно сохранить что-то важное до лучших времен. К каждому воспоминанию ведет своеобразная дорожка и чем дальше вы зайдете, тем легче будет добраться до цели. Но если остановиться, то дорожка зарастет кустами и вы, возможно, больше никогда не найдете ее.

Вот поэтому повторение – это ключ к обучению. Вы можете целый день практиковаться и надеяться, что усвоенные знания останутся навсегда. Но, если их не использовать вскоре после получения, то мозг решит, что эта информация не важна и забудет ее. Чтобы знания сохранялись дольше, их нужно практиковать. Обучение – это не круглосуточная разовая практика, а постоянные регулярные занятия.

Тысячи часов, которые нужно потратить на совершенствование навыков, не возникнут сразу из ниоткуда. Нужны перерывы, время, чтобы знания закрепились. Это происходит даже во время сна! Таким образом, получасовая практика каждый день даст вам гораздо больше, чем один день в неделю проведенный за рисованием.

Не ждите идеального времени, когда вам будет удобно практиковаться. Выделите в течение дня 15-30 минут на рисование и сделайте это ежедневным ритуалом, как приготовление пищи, просмотр фильмов или уборка. Полчаса каждый день лучше, чем 10 часов раз в сто лет.

8. Рисование для других

Любуясь чьим-либо произведением искусства, вы чувствуете не только восхищение. Рядом находится и зависть. Зависть не к навыкам мастера, а к восхищению, которое он получает за свое мастерство.

Очень приятно, когда вас хвалят за тяжелый труд. Когда окружающие признают ваши усилия, вы чувствуете гордость и уверенность! Но есть и другая сторона медали. Когда другие плохо отзываются о ваших рисунках, вы чувствуете себя униженным, никчемным, несмотря на то, что довольны выполненной работой.

Крайне нежелательно связывать свою самооценку с качеством ваших работ. Если вы чувствуете себя бесполезным до тех пор, пока не получите чьё-то признание и похвалу, то это непродуктивно.

Когда окружающие оценивают вашу работу, они судят не конкретно вас, а ваш навык. И только вы сами ставите знак равенства между этими понятиями. Это очень негативно отражается на вашей самооценке и вере в себя. Если вы начинаете верить, что чужая похвала – это доказательство вашей значимости, тогда вашей целью становится удовлетворение других людей, а не собственное саморазвитие. Вы не будете позволять себе экспериментировать, чтобы случайно никого не разочаровать. Вы, по сути, продаёте продукт, который нужен окружающим, чтобы они обратили на вас внимание.

Пожалуйста, похвалите меня!

Что плохого, если обе стороны – и создатель, и получатель продукта – счастливы? Зависит от того, с какой стороны посмотреть. Если вам действительно нравится снова и снова рисовать одних и тех же популярных персонажей в той технике, которая нравится вашей аудитории, тогда все хорошо. Но, если при этом вы чувствуете себя рабом их интересов и боитесь попробовать что-то новое, тогда пора отказаться от этого.

Вам кажется, что вы хотите нарисовать то, что понравится вашим поклонникам, но в действительности вам хочется, чтобы им понравилось то, что вы рисуете. Именно вы сами должны стать своим самым большим и преданным поклонником. Ваше мнение должно быть выше мнения окружающих. Даже если тысяча человек скажет, что им не нравятся ваши рисунки, это неважно, если они нравятся вам. Потому что это ваше и только вам лучше знать, как это должно выглядеть.

Если вы сами решили нарисовать это именно так, то критика окружающих – всего лишь дело вкуса, и не то, о чем стоит судить однозначно правильно или неправильно

Запомните: каждый человек имеет право на собственное мнение. Если окружающим не нравится то, что нравится вам, это не значит, что они неправы. Мнения не могут быть правильными или неправильными. Вы всего лишь можете им поделиться или оставить при себе. В ответ на неприятный комментарий просто улыбнитесь. Выслушайте любые советы и самостоятельно решить стоит ли к ним прислушиваться. В конце концов, вы не обязаны всем нравиться.

9. Перфекционизм

Обычно, перфекционизм считают просто частью личности человека. Однако, я считаю это расстройством личности. Если вы закоренелый перфекционист, то у вас искаженное представление о собственных достижениях. Независимо от того, насколько хорошо вы выполнили работу, вы никогда не будете удовлетворены, потому что знаете, что можете еще лучше. Похвала и восхищение других для вас не имеют значения. «Они просто хотят быть добрыми и боятся обидеть. Или просто не разбираются в искусстве», – подумаете вы.

Каких бы успехов вы не добились, для вас все незначительно. В сознании перфекциониста работа над собой похожа не на покорение горы, а на рытье ямы. Для перфекциониста лучшим является состояние по умолчанию, а источником стыда – фраза «недостаточно хорош».

Используя такой подход, вы все еще можете замечать свои успехи. Как правило, перфекционисты много работают, поэтому у них больше шансов достичь цели. Проблема в том, что перфекционист не испытывает удовлетворение от своих успехов. Он постоянно давит на себя, чтобы с каждым разом рисовать все лучше и лучше, при этом лишая себя награды за реальные достижения. Выражаясь метафорически, перфекционисты не зарабатывают деньги, они погашают долги.

У меня нет лекарства от перфекционизма, но я могу дать вам ценный совет. Вы должны понимать, что все только в вашей голове. Это не значит, что вы можете это контролировать или в чем-то виноваты. Просто любая ваша неудача не имеет никаких внешних последствий. Только внутренние. Это ранит, но не убивает.

Вы сделали ошибку, и что? Никто на вас не давит, и вы не обязаны быть идеальны во всем и всегда!

Вы считаете, что любые ошибки начинающих художников сравнимы позору. Но попытайтесь посмотреть на это более рационально: «Я человек, а все люди ошибаются. Но я могу учиться на своих ошибках и становиться лучше». Поэтому ошибайтесь! Если вы боитесь заняться фотосъемкой, потому что не знаете с чего начать, тогда намеренно начните неправильно. Получайте от этого удовольствие и растите над собой!

Вы считаете, что все люди обязаны хорошо рисовать? Нет. Так почему к себе так относитесь? Что делает вас особенным? Вы единственный, кто ожидает от себя потрясающих результатов во всем. Прикажите этой личности заткнуться хотя бы на время. И с каждым разом увеличивайте это время. Вы такой же, как все. И каждый человек многие вещи делает плохо. Так будьте похожим на остальных!

10. Считать реализм единственно правильным стилем рисования

Искусство, в самой популярной трактовке, – это создание копии реальности при помощи каких-либо средств. В каждом мазке кисточки должен быть какой-то скрытый смысл, и задача зрителя его распознать. И чем проще его распознать, тем лучше. Нет ничего хуже реалистичного рисунка, который не выглядит реалистично.

Если вы поклонник реализма, то для вас не существует компромиссов. Реализм – единственный стиль, который имеет значение, это вершина творчества. Все остальное пустяки и несерьезно. Линейный набросок может выглядеть очень красиво, но он никогда не будет так же крут, как фотореалистичный портрет карандашом.

У настоящих котов голова не круглая, неудачник!

В давние времена живопись должна была как можно точнее запечатлеть реальность. Тогда не было фотоаппаратов и видеокамер. Поэтому идеальный реализм был целью большинства мастеров прошлого. Сегодня у нас есть камеры и они гораздо точнее передают реальность, чем любой художник. И быстрее. Если нам нужно скопировать фото, мы пользуемся копировальной машиной. Сегодня невероятно просто запечатлеть реальность со 100% схожестью.

Из-за этого реализм (или фотореализм) стал просто искусством ради искусства. Вы рисуете реалистично только потому, что хотите доказать себе/другим, что умеете это, и ничего больше. Хотя сегодня реалистичные рисунки ничем не лучше других стилей. Реализм можно назвать стилем по умолчанию, но не единственным.

Быть хорошим художником не означает, что вы можете со 100%-ной точностью нарисовать реалистичный рисунок. Быть хорошим художником – это знать, как правильно, но позволять себе намеренно делать ошибки. Вы играете с реальностью и то, как вы это делаете, формирует ваш собственный стиль рисования.

В эпоху копировальных машин, намеренные ошибки могут превратить рисунок в настоящее произведение искусства

Если бы вершиной искусства считался реализм, то все художники рисовали бы одинаково. Идеально, но все же одинаково. Стилизованный рисунок – это ваша визитная карточка, которая делает вас уникальным. А это гораздо круче, чем реализм. В такую работу вы вкладываете частичку души. И вместо того, чтобы показать поклонникам своего творчества то, что они могут увидеть в реальности, вы показываете им то, что они не могут увидеть без вас. Я считаю, что в этом и заключается настоящее искусство!

Но как отличить действительно персональный стиль от случайности? Все зависит от ваших намерений. Если в голове была идея с конкретным результатом, а получилось иначе, это ошибка. А если вы понимаете, как должно быть реалистично, но намеренно искажаете, например, пропорции, это не ошибка. Поэтому отклонение от реализма должно быть целью, а не случайностью.

Но также важно изучить реалистичный рисунок. Если вы хотите изобразить льва, то должны знать, как он выглядит, чтобы другие тоже могли узнать его в вашем рисунке. Как только вы поймете, что считается реалистичным, то намеренно сможете заменять любые детали рисунка. И тогда вы перестанете быть рабом реализма!

Завершение

Рисование, как и любой другой навык, прост на поверхности, но таит в себе много подводных камней, если в него углубиться. А поскольку многие по-прежнему считают, что с этим навыком можно только родиться, то человеку будет сложно научиться рисовать. Надеюсь, эта статья нашла отклик внутри вас и помогла стать увереннее в своих способностях. Также рекомендую вам посетить социальную сеть художников и иллюстраторов wearts.ru. Там вы найдете современные арт-работы, сможете показать свои и получить поддержку от людей, увлекающихся творчеством. Ошибки начинающих художников легко исправить, если знать их первопричину.

Оставляйте комментарии, подписывайтесь на обновления и делитесь статьей в соц. сетях. Приятного творчества!

На чтение 5 мин Просмотров 3.2к. Обновлено 30.06.2020

• ВСЕ

• Рисование

• Советы художника

• История искусств

• Живопись

• Рисунок

• Цветоведение

• Поэтапное рисование

• Вдохновение

• О художниках

• Ученики

• Композиция

• Абстракция

• Книги

Здравствуйте, читатели блога Sketch-Art.ru! Наверно вы не раз замечали в левой колонке нашего сайта группу в контакте. Так вот, это не просто способ узнавать о новых статьях сайта — в эту группу можно присылать свои работы на оценку.

Недавно в ней появились новые работы для рассмотрения и я-таки нашла часок чтобы рассмотреть в них самые распространенные ошибки 😉

Милая девушка Катя прислала три работы в надежде узнать, что можно улучшить:

Кроме Кати работы прислала Татьяна из группы:

Девушки, прежде чем «критиковать» работы, мне хотелось бы похвалить вас за усердие — в ваших работах множество деталей, я думаю они сделаны со всем усердием на которое вы способны 🙂 Старайтесь рисовать еще больше, у вас точно есть перспективы!

Но, к сожалению одного усердия недостаточно, нужно еще знать некоторые законы рисования. Многие ребята стараются рисовать все детальнее и детальнее, но не изучая теорию спотыкаются об одни и те же вещи. В этой статье я не буду говорить о всех нюансах в этих рисунках, которые нужно исправить, иначе у вас в голове будет каша и будет страшно, от того что не знаешь над чем работать в первую очередь. Я наоборот, постараюсь обобщить ваши недочеты и рассмотреть самые распространенные ошибки в рисовании, которые сделаны в этих работах.

Итак, ошибки:

• Не рисуйте с фото и картинок!

Катя кроме работ прислала еще и референсы, с которых рисовала работы, наверно для сравнения. Да и так понятно, что эти сюжеты врядтли нарисуешь с натуры. Татьяна скорее всего рисовала цветы с фото (или просто не показала пространство за счет высветления задних цветов, что чаще случается при рисовании по фото). Я не ругаю вас, просто по фото сложней рисовать, оно не позволяет учиться рисовать. Поэтому у вас обеих проблемы с резкостью краев, равнозначностью деталей и другие ошибки. Их конечно можно совершить и рисуя с натуры, но рисуя по фото вы их совершите однозначно. И пока вы не научитесь рисовать с натуры, фотографии не ваш товарищ.

Вы можете конечно возразить, что видели как художники рисуют с фото или даже учат рисовать с фото. И я даже могу сказать почему они это делают — фото позволяет расширить горизонты в плане сюжетов. На фото можно рассмотреть все детали и живые объекты на них не движутся. Но, к сожалению многие закрывают глаза на минусы фото, а их немало:

1. Фото делает объекты более плоскими. Вы можете не заметить этого, если не рисовали до этого с натуры, но это так. В реальности вы будто ощущаете объем предмета, можете рассмотреть его с разных сторон, подойти к нему ближе. На фото вы видите объект с одной стороны при одном освещении, а соответственно не можете представить его с другой стороны. Это очень критично когда только начинаешь рисовать. Опытный художник может позволить себе использовать фото материал для справки, т. к. знает как преодолеть эти минусы. А если художник рисует только с фото, он не художник — он ксерокс 🙂

2. Фото убивает игру цвета. Фототехника не такая совершенная, как глаз. По моим ощущениям она упрощает цвет. Зелень становиться просто зеленой, когда в реальности в ней намешана куча оттенков от красного до фиолетового. Катя, пионы «очень вызывающие». Зелень противно изумрудная, пионы розовый с белым и больше ничего. Поизучай работы импрессионистов, они помогут научиться чувствовать цвет. Например это работа Лорана Парселье.

Обрати внимание на оттенки зелени — их очень много!

3. На фото очень резкие контуры и съедается ощущение пространства. Объекты выглядят равнозначными когда контур всех предметов одинаково резок и тем самым пространство будто уплощается.

Это относится и к Катиным работам и к работам Татьяны. Например, цветы Татьяны одинаковые по тону, детальности. Если рисовать побольше цветов с натуры то можно заметить, что дальние цветы не такие яркие как передние. В них будет меньше деталей. Возможно вы рисовали по фото и это вас подвело. Возможно просто не заметили данного нюанса…

Я помню в ходе нашего рисовального марафона на сайте, девушка Аня нарисовала веточку (первый вариант). Потом мы вместе посовещались и решили, что не хватает пространства, все веточки одинаковые по тону и проработанности. На второй день она прислала исправленный вариант (справа). Чувствуете разницу?

Мотайте на ус!

• Рисуйте все объекты насквозь. Изучите перспективу. В данном случае только одна работа с нарушением перспективы, а именно работа с книгой, но я все равно акцентирую на этом внимание, потому что уж очень частая эта ошибка.

Эллипс кружки нарисован под наклоном, а значит все предметы будто падают, а не стоят на плоскости. Кружка вроде должна стоять вертикально, но вертикальные линии по ее бокам падают. Даже плоскость стола по диагонали! Либо рисовано с фото, на котором данный натюрморт под наклоном, либо просто не соблюдены правила перспективы. В фото конечно приемлемы натюрморты сфотографированные под наклоном, в рисунке же это смотрится странно, объекты падают.

Кроме того, обязательно, перед тем как штриховать объекты постройте их насквозь. Дно кружки например не будет ли пересекаться с книгой? Или ручка прилеплена к самому ее дну?

• Изучите анатомию прежде чем рисовать людей

Тут без особых комментариев, просто потому что невозможно всю анатомию затолкнуть в одну статью. Совет один — при обучении рисованию действует принцип постепенности — не умеешь рисовать куб, не сможешь построить голову и руки человека. Поэтому стоит сначала порисовать наброски отдельных составляющих — черепа, костей, мышц. Хотя «порисовать» в данном случае мягко сказано. Возьмите учебник по анатомии, например книги Хогарта или Барчаи. Изучайте и рисуйте наброски пачками. Или оставьте затею рисовать человека.

Работа Кати очень проработана и конечно удивит тех, кто рисует хуже. Но знаний анатомии не хватит никогда, даже самому опытному художнику.

• Следите за контрастностью

Тут особенно отличились лебеди — уж очень бледные! То, что они белые не значит, что рисунок должен быть бледным. В каждом рисунке должны быть использована вся палитра тонов — от самого темного до самого светлого. Вы спросите, куда же темный девать — он в тенях. А белый смотрится белым в контрасте с чем-либо.

Например работа Anne Songhurst:

Белое далеко не белое в тенях, а белым смотрится, потому что есть темное.

Даже та плохонькая фотография лебедей, которую прислала Катя выглядит контрастнее и живее, чем сам рисунок, хотя это не фото для подражания — это ужас с обрезанным фоном 🙂 Уж извините за прямоту)

Это конечно не все, но одни из самых распространенных ошибок в рисовании, которые только есть. Об остальных, уж извините — в следующих статьях, сегодня больше нет времени. Надеюсь вам понравилась данная статья, а авторы работ на меня не обиделись, потому что я из добрых побуждений так придираюсь к работам. Успехов вам в творчестве!

Цифровая живопись весьма сложная. Все что вам нужно для того, чтобы начать рисовать — правильное программное обеспечение. Любой инструмент, даже самый мощный, находится в пределах вашей досягаемости. Все цвета готовы к использованию, не требуется никакого смешивания. Если вы только что перешли из традиционной живописи в Photoshop то все не так уж сложно; вам просто нужно найти копии ваших любимых инструментов. Но если вы новичок в обоих видах искусства, то начинается настоящий кошмар — тот, в котором вы не осознаете, что вы спите!

Хитрость Photoshop основана на его кажущейся простоте: вот набор кистей, здесь все цвета, вот ластик, в вот команда «отменить». Вы начинаете рисовать, все выглядит плохо, поэтому вы ищете другие инструменты, чтобы сделать еще лучше. И только посмотрите, сколько там инструментов! Вы начинаете пробовать их все, один за другим, и происходит волшебство.

Однако «магия» означает, что вы позволяете Photoshop рисовать завас. У вас нет никакого контроля над этим, но рисунок по-прежнему выглядит лучше, чем все что вы, как новичок, когда-либо сами делали (по крайней мере, это то, во что вы верите). Итак, вы позволили этому произойти и создали много рисунков в надежде, что однажды они превратятся в шедевры.

Профессиональные цифровые художники, которым вы восхищаетесь, используют Photoshop для воплощения своих видений, но они используют его как инструмент, а не как искусство, которе производит за вас машина. Какая разница?

• Специалисты представляют себе эффект и заставляют программу делать это.
• Начинающие заставляют программу делать что-нибудь и, если им это нравится, то они оставляют эффект.

Второй вариант звучит знакомо? Если да, то продолжайте читать. В этой статье я покажу вам, как улучшить десять различных аспектов рабочего процесса, чтобы вы стали по-настоящему знающим художником Photoshop. С помощью этих десяти простых советов вы поймете свои ошибки, которые, возможно, останавливали вас в течение долгого времени!

Примечание. Проблемы, которые я описываю, применимы к ситуации, когда художник непреднамеренно достигает эффекта для реалистического стиля. Это не ошибки, если вы их планируете!

1. Неправильный размер холста

Начало нового рисунка это как детская игра. Вы переходите в меню «Файл»> «Новый», или, если вы более продвинутый, используйте сочетание клавиш «Control-N». Это выглядит так просто, что часто упускается из виду.

Есть три аспекта этой проблемы.

1. Слишком маленький холст

Подобно тому, как все объекты сделаны из атомов, любой цифровой рисунок состоит из пикселей. Это вы, наверное, знаете. Но сколько именно пикселей вам нужно для создания детальной картины? 200×200? 400×1000? 9999×9999?

Общей ошибкой для начинающих является использование размера холста, подобного разрешению экрана. Проблема в том, что вы никогда не знаете, какое разрешение использует ваш зритель!

Допустим, что ваше изображение выглядит на вашем экране, как в примере 1. Высота рисунка максимальная, без необходимости прокручивать его, и это нормально для вас. Это самое большое разрешение, 1024×600. Пользователи с разрешением 1280×720 (2) и 1366×768 (3) тоже не будут жаловаться. Но обратите внимание на то, что происходит с пользователями с большим разрешением — 1920×1080 (4) и 1920×1200 (5). Постепенно изображение занимает все меньше и меньше места на экране. Для этих пользователей вы не использовали всю возможную высоту!

И дело не только в «белом пространстве» вокруг вашей картины. «Большее разрешение» не всегда означает «больший экран». Ваш смартфон может иметь больше пикселей на своем компактном экране, чем у вас на ПК! Взгляните:

1. Одинаковые размеры, разное разрешение
2. Разные размеры, одинаковое разрешение

Что это значит? Для зрителей, картина, которой вы планировали заполнить весь экран, может выглядеть так… :

Но это не единственный признак, по которому вы выбираете размер для своего рисунка.  Чем больше разрешение, тем больше пикселей. В меньшем разрешении глаз может занимать 20 пикселей, а при большем разрешении он может содержать 20000 пикселей! Представьте себе все возможные детали, которые вы можете разместить в такой большой области!

Вот интересная уловка: когда вы рисуете что-то маленькое в большом разрешении, независимо от того, насколько оно неряшливо, есть отличный шанс, что издали (т.е. в уменьшенном размере) оно будет выглядеть интересным. Попробуйте!

2. Слишком большой холст

Значит ли это, что вы всегда должны использовать огромное разрешение, чтобы дать себе больше свободы? Теоретически, да. На практике это не всегда необходимо, а иногда это невозможно.

Чем больше разрешение, тем больше пикселей вашего основного штриха. Чем больше пикселей в штрихе, тем труднее обрабатывать его, особенно когда дело доходит до уровней давления с переменной Flow. Итак, это практический аргумент против этого — вам нужен мощный компьютер, чтобы было удобно использовать большие разрешения.

Второй момент — большие разрешения предназначены для очень подробных фрагментов. Вопреки распространенному мнению начинающих, не всякая картина должна быть детализирована. Даже когда вы хотите рисовать реалистично, вы можете смело игнорировать большое количество информации, которую вы получите от фотографии, — то, что мы видим в реальности, никогда не выглядит как фотография!

Если вы используете более высокое разрешение, чем необходимо, может возникнуть соблазн добавить некоторые детали в различных местах, только потому, что вы можете это сделать. И когда вы это сделаете, пути назад не будет. Есть много уровней детализации, но конкретный фрагмент должен использовать только по одному за раз. Если вы хотите создать быстрый, живописный мех, не тратьте часы на глаз и нос — это только заставит весь кусок выглядеть непоследовательным и незавершенным.

3. Слишком большой конечный размер

Допустим, вы нашли идеальное решение для своей картины. Она не слишком велика и не слишком мала — идеально подходит для уровня детализации, который вы хотите достичь. Однако здесь есть место для еще одной ошибки. Это разрешение было вашим рабочим размером. Возможно, вам понадобилось много пикселей, чтобы добраться до этой детали глаза, но эта деталь будет видна и «с расстояния».

Перед сохранением файла для окончательного вида измените его размер. Я не скажу вам самое оптимальное разрешение, потому что его нет. Правило: чем детальнее участок, тем меньше он потеряет в качестве, если будет представлен в большом разрешении. Чем более «схематичная» картина, тем лучше она будет выглядеть, когда представлена в маленькой версии. Если вы хотите узнать больше об этом, посмотрите, какое разрешение используют ваши любимые художники при публикации своих работ в Интернете.

Еще одна вещь: при изменении размера изображения проверьте, какой алгоритм работает лучше всего для вас. Некоторые из них затачивают изображение, что может быть нежелательным.

2. Начиная с белого фона

Это может показаться тривиальным — что собственно не так с белым фоном? Он … нейтрален, верно? Это похоже на лист бумаги.

Проблема в том, что нет «нейтрального» цвета. «Прозрачный» является самым близким к нему, но его невозможно нарисовать. Цвет — это цвет. Когда встречаются два цвета, то определенное отношение появляется само по себе. Для белого + цвет А это отношение: «цвет А темный». Независимо от того, каково ваше намерение, вы начинаете с темного цвета только потому, что вы использовали самый яркий фон! Все будет темным по сравнению с ним.

В традиционном искусстве мы используем белый фон, потому что технически легче нанести темный яркий цвет, чем наоборот. Но нет никаких оснований для этого в цифровом рисовании! Фактически, вы могли бы даже начать с черного фона, но это такая же плохая идея, как и чистый белый цвет. На практике самый «нейтральный» цвет, который мы можем получить, составляет 50% ярко-серого (#808080).

Почему? Цвет фона меняется так, как вы воспринимаете другие цвета. На белом фоне темные оттенки будут казаться слишком темными, поэтому вы избегаете их. На черном фоне он будет работать одинаково с яркими оттенками. В обоих случаях результатом будет слабый контраст, который вы замечаете, когда пытаетесь добавить какой-либо другой фон. Вот доказательство:

Опытные художники могут начать свою работу с любого цвета и сделать все возможное, но если вы не уверены в цветовой теории, всегда начинайте с чего-то нейтрального — ни слишком темного и ни слишком яркого.

3. Избегайте сильного контраста

Конечно, иногда ваше восприятие яркого и темного может быть нарушено низким качеством вашего экрана. Если вы используете ноутбук, вы, вероятно, заметили, как контраст изменяется, когда вы смотрите на свою фотографию под углом. Как вы можете добиться надлежащего контраста, который каждый будет видеть правильно, независимо от того, какие экраны используются?

Даже если ваш экран хороший, после долгого сосредоточения на картине ваше восприятие тоже не нарушается. Если вы по-немногу меняете оттенки шаг за шагом, то этот контраст может показаться вам хорошим только потому, что он будет лучше, чем предыдущий пять шагов назад. Объект ниже может выглядеть красиво …

…. пока вы не сравните его с объектом с более сильным контрастом. И кто знает, может быть, если бы вы сравнили еще с другим, его воспринимаемый контраст автоматически бы снизился?

У Photoshop есть инструмент, который помогает в этой ситуации. Это называется Levels, и это фактически гистограмма — она показывает вам, сколько каждого оттенка есть на рисунке. Вы можете открыть это окно, выбрав Изображение>Коррекция>Уровни или с помощью сочетания клавиш Control-L.

Как это работает? Взгляните на эти четыре примера:

• Почти одинаковое количество белого, черного и среднего тона
• Только черные и темные полутоны
• Только белые и светлые полутоны
• Только черно-белые, почти без полутонов

Можете ли вы прочитать это на гистограмме?

Вы можете изменять уровни, перетаскивая ползунки. Хотя это уменьшает общее количество оттенков, это помогает разместить их в нужном месте на гистограмме.

Гистограмма показывает, что в нашем объекте много полутонов, но есть и видимое отсутствие темных и ярких областей. Независимо от того, что мы видим, это то, что говорит нам компьютер! Хотя нет ни одного идеального рецепта для уровней (все зависит от освещения вашей сцены), полное отсутствие темных и ярких областей — это плохой знак.

Просто посмотрите, что происходит, когда мы перемещаем ползунки к середине!

Есть ли способ использовать правильные оттенки с самого начала, так что бы не нужно было все это делать? Да, и на самом деле это займет у вас меньше времени, чем вы думаете! Решение заключается в использовании меньшего количества оттенков — темного, яркого, среднего тона и немного черного и белого.

Чтобы реализовать это на практике, прежде чем начинать рисунок, планируйте свое освещение на сфере:

• Нарисуйте круг и залейте его самым темным оттенком (черный не рекомендуется).
• Добавьте средний тон.
• Добавьте яркий оттенок (белый не рекомендуется).
• Добавьте один или два средних тона между ними.
• Добавить чуть-чуть черного и белого цвета.

Вы понимаете, где все эти части лежат на гистограмме? Когда мы объединяем их, вот что появляется. Используйте эту сферу в качестве набора образцов для вашего объекта, затеняя его таким же образом — темная тень, средний тон, самый яркий свет, более полутоновые оттенки, самые темные расщелины и яркие блики. Тогда вы сможете все это правильно смешать!

Один момент на последок. Если вы сравните эти две головы еще раз, одну с изначально правильным контрастом и исправленную, вы заметите разницу. Вот почему увеличение контрастности не может реально исправить вашу сцену, если вы не учли значения с самого начала — каждый материал имеет свой собственный диапазон оттенков. Например, самая темная часть белой поверхности будет намного ярче, чем самая темная часть черной поверхности. Это означает, что вы должны подготовить столько сфер, сколько разных материалов присутствует на вашей сцене.

Помните: светлый объект, затененный темными оттенками, так же неправилен, как темный объект, затененный светлыми оттенками!

4. Использование слишком сложных кистей и слишком больших штрихов

Когда вы сравниваете традиционные кисти с Photoshop, разница настолько поразительна, что вы можете удивиться, почему они имеют одно и то же имя. В конце концов, классические кисти позволяют рисовать только более или менее хаотичные штрихи, в то время как цифровые создают собственные произведения.

И вот в чем загвоздка. Если они создают что-то самостоятельно, вы отказываетесь от своего контроля над ними. Профессиональные художники чаще всего используют простые мазки, время от времени помогая себе более сложными. Использование сложных кистей на ежедневной основе не только делает вас ленивыми — это также мешает вам научиться достигать эффекта самостоятельно, потому что в этом нет никакой необходимости!

Когда вы начинаете свое приключение в цифровой живописи, может быть вполне естественным искать пути для прогресса как можно быстрее.  Вы хотите получить результаты, прямо здесь и сейчас. Настраиваемые кисти — путь к результату. Вы хотите мех — вот меховая щетка; вам нужна чешуя — вот кисть для чешуи. Вы не можете что-то нарисовать сами — скачайте инструмент, который может.

Пользовательские кисти не являются чем-то плохим — на самом деле они очень полезны. Проблема возникает, когда вы используете их в качестве основы своего «навыка». Если вы на самом деле потратили время, пытаясь понять, как быстро рисовать мех, вы поймете, что на самом деле он не состоит из одиночных волос, которые вам нужно рисовать один за другим. Вы узнаете, что видение чего-то в наших головах часто не соответствует действительности. Вы узнаете, как видеть и как создавать то, что вы видите, а не то, что вы думаете, что видите.

Вместо этого вы перестаете тратить полчаса на рисование одиночных волос и поиск кисти, которая сделает это за вас. Вы находите то что нужно, вы счастливы, и готовы двигаться дальше. Это так просто, что появляется привыкание, и вы вообще перестаете учиться — вы скорее бы скачали все кисти, если бы это было возможно.

Но как традиционные художники это преодолевают? На самом деле у них нет такого разнообразия кистей. А как они тогда рисуют мех? Ответ прост — так же как вы, если бы пользовательских кистей не существовало. Если вы хотите улучшить свои навыки новичка, отбросьте все сложные кисти на некоторое время. Придерживайтесь простого набора, например, этого, и узнайте, как сделать с его помощью все возможное. Не ищите коротких путей, когда рисование становится трудным. Боритесь с этим, и вы получите бесценный опыт вместо дешевых трюков.

Слишком большой

Другая распространенная ошибка, связанная с кистями, — использование слишком больших штрихов. Все опять же основано на нетерпении. Правило состоит в том, что 80% работы занимает 20% времени, затрачиваемого на нее, а это означает, что вам нужно потратить 80% рабочего времени на завершение вашего произведения. Если за два часа вы набросали эскиз, базовые, плоские цвета и простую штриховку, у вас осталось еще восемь часов. Более того, за эти восемь часов вы увидите меньше прогресса, чем в первые два! Это обескураживает, не так ли?

Вы можете четко это видеть в процессе, который художники иногда показывают своей публике, вот так. Первые шаги огромны — создается что-то из ничего. А затем все замедляется. Вы едва видите разницу между последними шагами, и все же эта тонкая разница, вероятно, заняла больше времени, чем все предыдущие!

Это проблема. Когда ваша картина почти закончена, вы чувствуете, что хотите закончить ее и увидеть ее наконец уже готовой.  Но это момент, когда вы на самом деле наоборот должны начать! Я помню, как читал комментарий в одном из этих процессов рисования: «Я бы остановился на шаге 4» [из 10]. И в этом разница между этим новичком и профессионалом! Потому что другая часть этого правила такова: последние, медленные 20% работы способствуют 80% итогового результат.

Решение простое. Вы никогда не должны заканчивать свою фотографию большими штрихами (если только это не скоростная живопись). Они зарезервированы для начала, для этого 20% времени. Используйте их, чтобы заблокировать формы, определить освещение, добавить большие части цвета. И затем постепенно уменьшайтесь, увеличивайте масштаб, очищайте, добавляйте детали. Вы увидите, что вы заканчиваете, когда работаете с очень маленькой кистью в очень крупном размере. Как правило, чем больше мест на вашей картине, которых вы касаетесь своей кистью (и чем больше вы ее меняете, например, добавляя небольшую разницу в яркости или оттенке при каждом маленьком штрихе), тем более изысканной она будет выглядеть.

Есть и другая сторона этого правила. Поскольку 80% фрагмента не так сильно влияют на конечный эффект, нет необходимости чрезмерно нам нем фокусироваться. Начинайте свои картины быстро, свободно, и оставьте все свои усилия на потом. Помните: не всякая картина должна быть закончена только потому, что вы ее начали. Отбрасывая то, во что вы не верите, вы сохраняете для себя в четыре раза больше времени, чем вы уже потратили впустую!

5. Использование слишком большого количества цветов

У традиционных художников не слишком много цветов, готовых к использованию. Они должны научиться создавать их, смешивать, чтобы получить желаемый эффект. Это неудобство, по сути, является благословением. У них нет другого выбора, кроме как изучить теорию цвета. У вас, как у цифрового начинающего, под рукой сразу есть все цвета, доступные в пределах вашей досягаемости. И это проклятие!

Мы не понимаем цвета интуитивно. В нашей повседневной жизни нет в этом никакой необходимости. Но, как художник, вы должны полностью изменить свою точку зрения. Вы больше не можете полагаться на интуицию, потому что она плохо работает в этой теме. Вам нужно перестать думать о цветах, как вы их знаете, и понять концепцию Оттенок, Насыщенность, Яркость.

Цвета не существуют сами по себе. Они основаны на отношениях. Например, если вы хотите сделать цвет ярче, вы можете либо увеличить его яркость, либо уменьшить яркость фона. Красный, называемый теплым цветом, становится теплым или прохладным в зависимости от того, каким будет его соседний цвет. Из-за отношений даже может меняться насыщенность!

Новичок, не знающий всего этого, заполняет свой эскиз целым набором случайных цветов. Они выбирают какой-нибудь синий цвет, а затем добавляют другой какой-нибудь зеленый цвет, без какой-либо связи между ними, они выбирают их из тысяч других цветов с синеватым и зеленоватым оттенком!

Это то, как новичок видит цвета:

1. Синие
2. Грязные синие
3. Серые
4. Черные

Но … почему у нас тогда так много оттенков, если они бесполезны? Ответ в том, что это не так. Вам нужно только понять, как они произошли и что они означают. Давайте посмотрим на тот же подборщик цветов, и как его видит профессионал:

1. Ненасыщенные синие
2. Насыщенные синие
3. Яркие синие
4. Темно-синие

Выглядит сложно? Наверное, но это не повод их игнорировать! Если это слишком сложно для вас, то на какое-то время придерживайтесь оттенков серого. Поймите проблему освещения, затенения и смешивания, и вы получите прочную основу для будущих рисунков. Более того, цвета (а точнее их оттенки) являются глазурью на том торте, который называется вашим произведением. Они могут сделать его слаще, но они не могут быть его основой. Никакое количество крема не сделает хороший пирог хорошим!

И если вы решите освоить цвета, попробуйте эти статьи для начала:

• Улучшите свои художественные работы, научившись видеть свет и тень
• Основы цвета: затенение
• Основы цвета: предварительная раскраска
• Секрет реалистичной живописи: как справиться с цветами

6. Выбор цвета непосредственно из справочника

Трудно бороться с этим искушением, оно настолько сильное, что может заставить вас плакать. Я это хорошо знаю. Тем не менее, если вы хотите действительно научиться цифровой живописи, вы не должны использовать инструмент «Пипетка», чтобы заимствовать цвет из ссылки. Почему это так важно?

Начинающие обычно используют низко насыщенный оранжевый/розовый для кожи. Это кажется очевидным, но эффект далек от естественного. Если вы используете ссылку, хотя … это совсем другая история! Почти у каждого пикселя различный оттенок, не только розовый, вы можете найти красные, желтые, оранжевые, даже холодные пурпуры, зеленый и голубой. Насыщенность и яркость изменяются все время, и, тем не менее, конечный эффект не похож на хаос.

Когда вы выбираете цвета из ссылки, ваша собственная картина приобретает новую жизнь. Проблема в том, что она не отличается от трассировки. В результате отслеживания вы получаете линии, которые вы не могли повторить сами, и, выбирая цвета, вы получаете красивое затенение, которое вы не сможете повторить. Эффект потрясающий, но на него нельзя рассчитывать.

Есть еще одна вещь. Выбор цвета останавливает ваш прогресс. Вы «покупаете» набор цветов вместо того, чтобы научиться создавать их самостоятельно. У вас есть цветное колесо со всеми ползунками; Каждый цвет, который вы выбираете, может быть воссоздан вами. Но вы все равно решите использовать те, которые уже созданы — это быстро и эффективно, но вы знаете, что еще быстрее и эффективнее? Сделать фотографию.

Чтобы однажды стать независимым от ссылок, вам нужно научиться видеть цвета. Посмотрите на любой объект рядом с вами — каков его тон, яркость, насыщенность? Это очень трудно определить, не так ли? Но если вы продолжаете выбирать цвета с помощью инструмента «Пипетка», вы никогда не узнаете его. Вы не можете начать гонку, так как ваши тренировочные колеса все еще включены.

7. Добавление цветов в оттенки серого без надлежащих значений

Я написал эту картину в 2011 году. Это, безусловно, приятная, душераздирающая сцена, и мне она все еще нравится. Я помню, что нарисовал ее в оттенках серого, а затем добавил цвета, используя, вероятно, несколько режимов наложения (Color, Multiply, Overlay). Я помню, что была одна досадная проблема: как получить правильный желтый цвет при рисовании в оттенках серого?

У меня больше нет оригинального файла, но, вероятно, это выглядело так в оттенках серого. Обратите внимание, что и зеленая, и желтая области одинаково темные. Но в действительности это не так !

Когда я был новичком, как вы, я полагал, что свет делает все цвета равномерно ярче, а тень делает их равномерно темнее. Вот почему живопись в оттенках серого казалась такой удобной. Я мог бы сосредоточиться на затенении и добавить цвета позже. К сожалению, этот трюк не сработал, и мне потребовалось много времени (главным образом потому, что я не очень старался), чтобы понять, почему это не так.

Простой ответ заключается в том, что разные цвета имеют разную яркость независимо от освещения. Когда вы игнорируете это, в результате вы получаете грязные цвета. Цвета, добавленные непосредственно в изображение в оттенках серого, лишены важной части. Если вы хотите узнать больше об этом, я написал сложное руководство по теме значения цветов.

8. Затенение с помощью инструментов Осветление и Затемнение

Осветление и Затемнение являются одними из фаворитов для новичка. Они прекрасно вписываются в убеждение, что Photoshop — это «программа рисования». Вам нужно только выбрать базовые цвета, а затем выбрать области, которые вы хотите закрасить. Остальное управляется продвинутыми алгоритмами, а не вами, и это здорово, потому что в любом случае вы не знаете, что делать.

Однако все не так просто. Эти инструменты не совсем бесполезны, но когда вы новичок, лучше держаться от них подальше. Это не «инструменты затенения». Инструмент Осветление не равен «добавить свет», а инструмент Затемнение не равен «добавить тень». Проблема заключается в том, что они так хорошо подбирают видение новичка о затенении, что трудно преодолеть искушение.

Проблема заключается не в инструментах, а в непонимании самого затенения. Начинающие часто думают, что объекты имеют определенный цвет, и этот цвет темнеет в тенях и наоборот становится ярче на свету. Все не так просто. Это может хорошо работать для затенения ячейки или для целей мультипликации, но даже там это просто короткий путь.

Если это «работает», почему бы просто не использовать это?

• Это еще одна техника, которая блокирует ваш прогресс. При ее использовании вы даже не замечаете, чего не хватает. Затенение является сложной проблемой, и вы ограничиваете ее правилом «темнее-светлее», потому что это легко. Photoshop работает здесь за вас, а не для вас. Не позволяйте этому мешать вам учиться.
• Он выравнивает затененный объект. Независимо от того, сколько текстур вы добавите к нему после этого, все работает точно так же, как большая кисть — это означает, что вы можете начать с ним картину, но так никогда и не закончите.
• Это искажает цвета; Они должны зависеть от окружения (прямой свет, окружающий свет), но ни Осветление, ни Затемнение ничего не знают о фоне, который вы используете. Они все затеняют одинаково!

Затенение с черно-белым

Расширение этой техники затенения с помощью белого для света и черного для теней. Это происходит из убеждения, что каждый цвет начинается как черный (в тени) и заканчивается как белый (на свету). В то время как это может быть верно для пере- или недодержанных фотографий, это не должно быть правилом, используемым в живописи.

Мы все ищем простые правила, которые легко запомнить и использовать. Но это не значит, что мы должны изобретать простые правила, которые не имеют ничего общего с реальностью: «добавьте белый, чтобы сделать цвет ярче, добавьте черный, чтобы сделать его темнее». Это верно только для оттенков серого! Если вы хотите узнать, какие правила вы можете использовать для создания оттенка цветов, смотрите эту статью.

Необязательная заливка

Когда вы преодолеваете предыдущую проблему, вы можете попасть в другую. Допустим, вы выбрали оранжевый в качестве базового цвета для вашего персонажа. Вы решите, что источник света будет желтым, а окружающий свет будет синим (небо). В соответствии с этим вы переводите оттенок базового цвета на желтый в светло-синем в тени, и это все. Это делает затенение гораздо более интересным, чем если бы вы использовали черно-белое изображение, но это все еще короткий путь, который не обязательно приводит к желаемым результатам.

Почему это короткий путь? Создавая только три основных оттенка для вашего объекта, вы автоматически помещаете его в искусственную среду, где все отражает свет со 100% прогнозируемым образом.

В действительности, свет непрерывно отскакивает от всего вокруг, включая «холмы и долины» вашего 3D-объекта. Поэтому затенение редко может быть ограничено двумя или тремя цветами. Синева неба может сделать некоторые тени на объекте синим, но в некоторых других местах  они могут выглядеть зеленоватыми из-за отраженного от травы света. Более того, некоторые тени могут быть действительно яркими и насыщенными из-за света, который попал через препятствие в «тень» (см. Подповерхностное рассеяние).

Если вы примете все это во внимание и решите использовать непрямые источники света, чтобы сделать затенение более разнообразным, вы будете вынуждены рисовать более осознанно — и это здорово! Здесь нельзя использовать большую кисть, потому что она будет смешивать цвета, и в результате вы потеряете их. А маленькая кисть означает, что вы создаете текстуру на лету!

9. Смешивание мягкой кисточкой

Есть два основных метода, которые новички используют для смешивания оттенков, оба предназначены для быстрых эффектов:

1. Смешивание мягкой кистью
2. Смешивание с инструментом Размытие/Резкость

Как мы уже выяснили, быстрые эффекты часто означают, что они вне нашего контроля. В этом случае смешение с большими штрихами выравнивает объект и делает его неестественно гладким. Даже если вы потом добавите фото-текстуру, это не изменит этот «пластический» эффект. Опять же, этот метод может быть хорош только для этой стартовой фазы.

Если вы хотите получить приятную тонкую текстуру (которая хороша для большинства натуральных материалов), используйте более жесткую кисть с нажимом, контролируемым давлением ручки (чем сильнее вы нажимаете, тем более твердый получается штрих).

Этот тип кисти позволяет вам контролировать количество цвета, которое вы хотите использовать.

Благодаря этому атрибуту вам не нужно смешивать границу между двумя цветами. Вы начинаете с базового цвета и слегка прикрываете его другим. Затем вы можете добавить еще один слой того же цвета, сделав его более прочным.

Если вы хотите сделать цвет более плавным, просто выберите цвет где-нибудь посередине и слегка покрасьте границу.

Для более прочной текстуры используйте текстурированную кисть (с острыми краями).

В соответствии с правилом 80-20 не заботьтесь о смешивании на первом этапе. Используйте большую кисть и сделайте края видимыми, создавая преувеличенное затенение.

Позже вы можете использовать меньшую текстурированную кисть для смешивания краев. Не используйте инструмент Палец, или мягкую кисть, только Пипетку и жесткую кисть с переменным нажимом. Помните: смешивание зависит от текстуры поверхности, поэтому вы не можете использовать один и тот же способ смешивания для любого материала!

10. Использование 2D-текстур для 3D-форм

Фототекстуры — последнее средство для новичков, когда объект теоретически закончен, окрашен и затенен, но он все еще похож на пластиковую игрушку. Однако, сама текстура может сделать все ее еще хуже.

Допустим, мы хотим добавить текстуру этой большой кошке.

Перед добавлением текстуры объект должен быть затенен. Сложная часть — это не обязательно полное затенение. Метод смешивания зависит от текстуры — если вы смешиваете без какой-либо текстуры, вы получите не-текстурное смешение (гладкую поверхность).

Вы можете загрузить текстуру из Интернета или использовать один из шаблонов Photoshop — есть целое множество в наборах по умолчанию. Это мой любимый узор для чешуи, перевернутая дверь.

Если вы измените режим наложения текстуры на оверлей, вы увидите, что он применяется к затенению. Однако обратите внимание, что некоторые части были просветлены. Вам может понравиться, если затенение не было сделано правильно, но это еще один случай отказа от контроля. В большинстве случаев мы не хотим, чтобы текстура создавала собственную версию затенения. В то время как режим наложения не является лучшим решением, он позволяет увидеть, как текстура выглядит на объекте.

Теперь, самая важная и упущенная часть. Если объект предназначен для 3D, он не может быть хорошо покрыт 2D-текстурой. Нам нужно настроить ее форму на форму, которую она покрывает. Существует три основных способа сделать это: экспериментировать и найти свои любимые:

• Инструмент Свободное преобразование (Control-T) в режиме обертки
  
• Фильтр> Превратить в жидкость
• Редактирование> Марионеточная деформация

Режим наложения осветляет участки слоя, покрытые белыми областями текстуры. Вместо этого мы могли бы использовать Multiply (это делает белые области прозрачными), но это сделало бы темные тоны (серые) темнее, чем это необходимо. Есть еще один инструмент, идеально подходящий для настройки прозрачности текстуры.

Дважды щелкните слой и поиграйте с ползунками Blend If. Проще говоря, с ними вы можете настроить прозрачность белого и черного.

Нам нужно понять, что такое текстура. Это не «грубая картина», размещенная прямо на объекте. Это, по сути, шероховатость поверхности. Когда свет попадает на гладкую поверхность, он отражается равномерно. Если поверхность грубая, то есть сделана из крошечных выступов и трещин, свет, попавший в нее, создаст целый набор крошечных теней. И это текстура, которую мы видим.

Из этого можно извлечь еще один факт. Если свет, создает видимую текстуру, то не может быть текстуры без света. А что такое тень, если не недостаток света? Поэтому мы должны уменьшить текстуру в темных областях (если присутствует окружающий свет) или вообще удалить ее (нет света, нет текстуры). Вы можете использовать маску слоя для этого или поиграть с ползунками Blend If (вторая строка). Имейте в виду, что трещины текстуры на самом деле являются тенями, поэтому они не должны быть темнее, чем «нормальная» область тени.

Применение текстуры выполняется быстро и легко, как только вы знаете, какие действия предпринять после ее выбора. Однако это еще не конец. Каждая текстура отличается, и хотя некоторые из них будут отлично смотреться при непосредственном применении, большинство из них потребует дополнительной работы.

Опять же, здесь применяется правило 80-20. Добавить текстуру очень просто, но для ее работы требуется больше времени. В моем примере я смешал края затенения с отдельными чешуйками. Подобные вещи очень трудоемки, но они все меняют!

Заключение

Как вы заметили, большинство проблем начинающих исходит из стремления к достижению больших целей без особых усилий и как можно быстрее. Так что на самом деле это не недостаток навыков, а скорее, это глубокое убеждение, что Photoshop — это программа для создания произведений искусства. Это приводит к постоянному поиску инструментов и трюков, вместо того, чтобы самим пытаться понять и решить проблему.

Вы не сможете стать цифровым художником за один день, только потому, что приобрели продвинутое графическое программное обеспечение. Photoshop — это просто инструмент, более удобный для использования, чем пигменты и кисти, но он все еще инструмент. Он не может сделать больше, чем вы хотите! Если вы хотите сделать все возможное, отнеситесь к нему как к цифровому холсту с цифровыми цветами. Забудьте обо всех этих необычных инструментах, фильтрах, кистях или режимах наложения. Просто рисуйте, как на реальном холсте.

Изучите теорию цвета, перспективу, анатомию — все эти вещи должны освоить «нормальные» художники. Со временем вы поймете, как использовать инструменты Photoshop, чтобы делать то же самое проще и быстрее, но не ставьте телегу впереди лошади, пытаясь получить великолепные эффекты, не понимая их. Терпение — это ключ!